August Macke (1887-1914)

August Macke por varias razones es considerado expresionista, principalmente por vivir en el tiempo que surgió el movimiento, por su amistad con Franz Marc y por participar en el movimiento “Der Blaue Reiter” (El jinete azul).

Todos estos hechos sitúan el hombre dentro de un contexto expresionista, pero hay que ser cuidadosos en catalogar la obra de un artista sólo bajo parámetros geográficos o contemporáneos.

Macke es un artista que no llego a cumplir sus treinta años por lo que, para mi, jugó con varios estilos sin tener el tiempo para consolidarse en ninguno.

 

 

Para entender que significa ser un expresionista alemán, de principios de siglo XX, es necesario ver la obra de Lovis Corinth (1858-1925), Ernst Ludwig Kirhner (1880-1938) y Franz Marc (1880-1916). Tres fantásticos exponentes del expresionismo, con Paletas llenas de colorido, agresivas y de fuertes trazos que buscan estremecer al espectador para que se plantee sus propias dudas que permitan las respuestas salir a la luz.

Franz Marc lo veo mas conciliador, veo un expresionismo mas impresionista o quizás menos alemán. Esto no le quita intensidad o creatividad a su obra, todo lo contrario, vemos un artista con la valentía de ir contracorriente en una época no adecuada para posiciones conciliadoras.

Este es el valor de Macke, ser un hombre capaz de tomar elementos y tendencias vanguardistas para imprimirle un sello personal. Por esta razón podemos hablar de un Macke “Cubista” “Fauvista”, “Futurista” u “Orfista”.

 

 

Sus trabajos con escaparates sitúan la obra de Macke siempre bajo el alero del pintor abstracto Robert Delaunay. Las ventanas del francés son un referente, pero a pesar de la conexión que dan todos los críticos veo en los escaparates de Macke algo personal, sin más conexión que el tema.

 

 

Con las manzanas de Macke podríamos hablar de la influencia de Cézanne, de la misma manera que esos personajes con sombreros nos traen a la memoria un Matisse.

Macke no busca una “nueva realidad” (premisa de Delaunay), veo un tratamiento mas cotidiano y un poco menos conceptual. Una escena de día lluvioso con personas comunes, que detienen su ir y venir abstrayéndose con las fantasías presentadas en esos escaparates mundanos o simplemente continúan su andar bajo el paraguas, nos habla de ese momento sencillo e intimo que vivimos, o compartimos, cada día.

Macke viaja junto a su compatriota Paul Klee a Túnez, donde se maravilla con la luz del país africano y los escenarios del desierto del Sahara. Klee estampa en su Diario estas bellas palabras que explican lo conmovido que quedó él, y su amigo, en el viaje: “El color me posee, no tengo necesidad de perseguirlo, sé que me posee para siempre… el color y yo somos una sola cosa. Soy pintor”.

A dos meses de comenzada la I Guerra Mundial August Macke muere en el frente de batalla, en los campos de la región francesa de Champagne. “La Despedida” es su inacabada obra final; nos presenta una escena en los andenes de una Estación antes de la salida de Tren que llevará las tropas a pelear.

“El pueblo de Alemania, embriagado por las ideas de victoria, no sospecha lo terrible que es la guerra”. August Macke.

 

La obra completa del artista en: http://www.augustmacke.org/

 

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James Ensor (1860-1949)

 

James Ensor es un pintor belga poco conocido para la mayoría pero muy conocido en los segmentos artísticos de comienzos de siglo XX. Tan conocido fue, que su nombre se   asocia a los precursores de estilos como el expresionismo o el surrealismo.

 

 

Salió muy poco de Bélgica, incluso su ciudad natal Ostende sólo la dejó un par de años para ir  a estudiar arte en Bruselas. Visitó Paris, Londres y Ámsterdam por un breve periodo; este amor a su terruño lo marginó, de cierta manera, del circuito artístico que hombres con menor talento y creatividad, que él, manejaron a la perfección. Esta puede ser una razón de su poca fama hoy.

 

 

James Ensor tuvo en “El Bosco” un referente, tanto pictórico, temático como geográfico para extraer ideas. Su tratamiento “grotesco” de los hombres de su época nos habla de esta influencia flamenca de retratar una gente amanerada, vana y algo estupida.

 

 

Su paleta agresiva y colorida es un buen ejemplo de un expresionismo que fue la antesala a estilos como el “Dadaísmo” y de cierta manera el “Surrealismo”.

James Ensor es un hombre vanguardista, un innovador en ese siglo XIX, tan lleno de ganas de cambios sociales, artísticos o políticos.

 

 

Al ser un hombre con ideas nuevas lo lleva al terreno del “escándalo” y la censura en su tiempo. La “Entrada de Cristo en Bruselas” (1888) es un claro ejemplo de esto. Rompe las clásicas reglas de perspectiva y de “buen gusto”. Nos hace pensar en un Cristo de ayer visto entrando “hoy” (entendiendo el hoy de hace cien años), de una forma moderna; sometiéndose a la descalificación de sus contemporáneos.

 

Gente que esconde sus rostros e identidad tras mascaras, son los personajes que se apropiaran de esta “entrada triunfal” para beneficio propio, intereses políticos y comerciales serán en definitiva los grandes beneficiados de este Cristo perdido entre la muchedumbre.

El alcalde de Bruselas esta en el extremo superior derecho, con la banda, como un claro ejemplo de un hombre tratando de girar el evento en su propio beneficio. Cristo tiene el rostro del propio artista, simbolizando esas ganas de transmitir un mensaje ante los avatares descalificadores. Este juego psicológico, trazado con una paleta colorida y ajena a restricciones nos lleva al expresionismo de comienzos de siglo XX.  Ensor mantuvo el cuadro durante toda su vida y realizó modificaciones, como con la mayoría de sus obras.

 

 

Los temas religiosos de esta etapa, finales de siglo XIX, son un medio para expresar la insensibilidad humana. Única manera del artista de reflejar en su lienzo el disgusto ante las desigualdades de un mundo intolerante y elitista.

 

Otro medio utilizado son las mascaras y los payasos, que nos presentan los temas desde una perspectiva tragicómica para entender esos hombres de su tiempo. El estilo realista interactúa con el simbolismo, en esta alegoría “Ensoriana”, que nos lleva a ver las cosas con otra mirada, una mirada mas cotidiana y contingente, de un mundo “irreal” y “pasado”.

 

 

James Ensor, su genialidad, su atrevimiento y su vanguardismo son encerrados en el fácil calificativo de “pasado de moda” a comienzos del siglo XX. La gente olvida su obra y su talento metiéndolo rápidamente en el saco de pintor del pasado, algo increíble si pensamos que artistas como Paul Klee o Marc Chagall lo dan como referente en sus propias creaciones.

 

 

Esa crítica social, contra todos los poderes: iglesia, burguesía, militares  y políticos, finalmente le pasan la cuenta. Ensor se cansa de ir contra molinos de viento como se agobia por no vender a nadie sus Obras.

 

Entrado el siglo XX llega la aceptación popular con reconocimientos, premios e incluso un título de Barón otorgado por el rey Alberto I de Bélgica.

 

La crítica especializada ve en este Ensor de siglo XX un artista sin ganas de mostrar nada nuevo, con una producción mínima y repetitiva.

Difiero de este argumento simplista y hecho por estos “jueces sabios” que no se dan el tiempo de conocer al hombre. 

 

 

Para mí, James Ensor en el siglo XX, es un artista que cambia el modo de realizar y presentar sus acciones provocadoras. Pasó de ser la mano que traza los personajes a ser él mismo un personaje de su Obra. 

 

 

Un hombre que recibió todos los reconocimientos para un artista que apenas pintó en ese siglo XX, es una contradicción a esa misma critica del siglo XIX que despreció su Obra. Me pregunto, quién manejo a quien?  

 

No me cabe duda que se rió de todos hasta el final.

 

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Entrada de Cristo en Bruselas” 1888

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Valentin Serov (1865-1911)

 

Valentin Serov fue hijo del compositor y critico de música ruso Alenxander Serov; como miembro de una familia artística vivió en una atmósfera cultural que lo ayudo a contar, desde muy niño, con la ayuda y formación de los mejores profesores artísticos rusos de la época, como el pintor de temas históricos y de retratos  Pavel Tchistyakov.

 

Entre sus primeros trabajos se encuentra “Niña con duraznos”, 1887, el retrato de Vera Mamontova.

“Niña bajo la luz del Sol”, 1888, retrato de Maria Simonovich, es otro ejemplo de la razón de su éxito como retratista en la década de los 90. La crítica no sabía como catalogar su estilo, todavía no se hablaba de impresionismo en Rusia por lo que deslumbró con ese estilo nuevo, que “iluminaba” a sus personajes de una forma natural y cotidiana.

Este éxito en el campo de los retratos lo encasilló en la búsqueda de nuevos temas y de cierta manera le quitó protagonismo ante la entrada de los nuevos estilos de principios del siglo XX.

Son pocos lo pintores rusos que conocemos, por no decir ninguno. Podemos hablar de algunos nacidos en Rusia pero que por vaivenes políticos o económicos adoptaron diferentes nacionalidades en diferentes países.

La creación de la Unión Soviética, 1922, es algo esperado y anhelado en las esferas intelectuales de la época, pero al poco correr el tiempo se viviría una represión igual, por no decir peor, hacia los artistas que no se cuadren bajo la mirada tutelar del Estado.

Una contradicción, para cualquier artista, sería hacer una carrera sometiéndose a la censura de la misma por parte de alguien. Sometiéndose a loar determinadas acciones o personajes. Sometiéndose a perder la “mirada” contingente en el afán de ocultar lo que el “amo” quiera que no se vea. 

Talvez esta razón de agradar al gobernante de turno es la explicación de la falta de artistas notables o extraordinarios en los diferentes tipos de sistemas dictatoriales, ya sean estos de posiciones políticas de izquierda  o derecha.

Nunca podrán llevar su arte a un “Estadio” superior, porque este estará limitado, cortado y censurado.

Valentin Serov tuvo la “ventaja” de ser un hombre que sólo vivió bajo una Rusia Imperial, fue un hombre que a pesar de moverse en esferas monárquicas y burguesas tuvo el atrevimiento de enfrentar temas contingentes con una mirada política diferente a las del poder, llegando a renunciar a la “Academia Imperial de las Artes”, en 1905, como protesta por la matanza hecha por las tropas del Zar Nicolás II, en lo que se conoció como el “Domingo Sangriento”, donde murieron más de dos mil personas.

 

Entendiendo su época y sus colegas contemporáneos, como Anders Zorn o John Singer Sargent, observamos un estilo formado tras la contemplación de Obras de pintores anteriores, como Diego Velásquez; más que el alineamiento académico que podría haberlo llevado a terrenos donde sólo habría copiado las directrices de los impresionistas franceses de forma ortodoxa, Serov es capaz de mostrarnos un estilo propio, tan propio que podemos hablar hoy de “Impresionismo Ruso”. 

La ultima etapa en la vida y obra de Serov la encuentro extraordinaria, vemos como su estilo cambia radicalmente y plantea una forma más estilizada e innovadora de tratar los personajes.

“El rapto de Europa” me trae a la memoria la búsqueda de Gallen-Kallela por mostrar una Finlandia en torno a su mitología, como modo de crear una identidad nacional. Un tratamiento de la paleta como tempera nos brinda un colorido empastado y carente de tonos, sin caer en lo naïf gira en lo primario.

Con “The Grand Eagle Cup” vemos un tratamiento mas satírico del tema jugando con lo Barroco y, a su vez, con la pureza de las formas de sus personajes. 

En el Retrato de la bailarina rusa “Ida Rubinstein”, 1910, vemos como presenta la imagen de mujer liberal, referente de la belleza de esa “Belle Epoque”, mujer sin trabas morales que impacto los cánones éticos de esa sociedad. Amedeo Modigliani, unos pocos años más tarde, utilizó esas mismas figuras estilizadas para darnos una nueva visión de como tratar la figura humana.

Estos últimos retratos son los de un artista consumado, que logra manejar su paleta de la forma deseada. Con pocos y seguros trazos nos transporta a lo que su imaginación deseó, logra transmitirnos la “esencia” de sus personajes de una forma exquisita y pulcra. 

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