17
Jul

Julian Dupre (1851-1910)

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En la mitad del siglo XIX, 1845, un grupo de pintores decide reunirse en el pueblito francés de Barbizon, cerca al bosque de Fontainebleau, para formar la “Escuela de Barbizon”. Este movimiento artístico fue creado como una respuesta antagónica al romanticismo imperante, romanticismo cuyos referentes eran Delacroix y Géricault.

 

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Los fundadores de la “Escuela Barbizon” más conocidos son Corot,  Daubigny, Millet y Rousseau. Poco se sabe de uno de sus seguidores, años más tarde, quizás el más olvidado de la historia del arte francés, Julian Dupre. Basta que cualquier persona coloque su nombre en un buscador de Internet, como Google, para darse cuenta que no hay casí nada escrito sobre el, en ningún idioma. La única acotación que se encuentra es en el formidable reconocimiento a los artistas del siglo XIX, olvidados, que nos da “Bearded Roman”, esperemos que se adentre en la vida de este pintor para conocerlo y divulgarlo más.

 

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La simple acción de salir de París e ir a instalarse a un pueblo olvidado expresa, de por si, una actitud rebelde. Rebeldía que, aparte de situarla en el plano de las artes, nos traslada, inevitablemente, al contexto social de esa Europa pobre e injusta del siglo XIX.

 

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El siglo XIX, en las artes y en Francia, estuvo dominado por el estilo Neoclásico de un grande de la pintura, injustamente tratado posteriormente, como fue Jacques-Louis David (artista que integrará “Arte & Artistas” en un futuro próximo). Una respuesta a este estilo fue el “Romanticismo” que ocupó el espacio de “vanguardia” hasta la llegada de los hombres de la “Escuela de Barbizon”.

 

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La llegada de la Obra del pintor inglés John Constable (1776-1837) al Salón de París en 1824, remeció Francia; que se maravilló por las escenas rurales tratadas de una forma tan innovadora, real y natural. Tanto fue el éxito que su cuadro “Carreta de Heno” logró la medalla de oro. Esta nueva forma de ver y tratar las escenas rurales fue la llave para que este grupo de jóvenes, y sus seguidores, salieran del “Academismo” y entraran a un lugar pleno de matices filosóficos, políticos y artísticos.

 

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Con la división de las pinceladas, que nos llevan a ver la variación de los elementos lumínicos en el cuadro, Constable entrega a los franceses una forma nueva de tratar la paleta, forma que utilizaran los pintores impresionistas años más tarde.

 

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Vemos en la obra de Dupre un tratamiento analítico de los personajes del Campo, tratamiento casi fotográfico de ese instante de trabajo y esfuerzo, que es la representación fidedigna del actuar campesino. Millet es un referente a este modo digno de retratar la vida rural, como lo puede ser Dupre si tuviera el reconocimiento merecido. Es, en definitiva, poder ver en una Obra los sentimientos más íntimos del trabajador. Es sentir, viendo el esfuerzo o la tranquilidad del trabajador, su alma.

 

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La mujer campesina es el tema principal de este pintor “natural”, que no hace un planteamiento dramático o de denuncia social, sólo nos lleva al “momento” de su retratada.

 

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El valor de su Obra es traspasar el concepto de cuadro para llevarnos a ese estadio donde somos capaces de adentrarnos a su mundo interior; con un entorno de paisajes con cielos nubosos donde vislumbramos tenues rayos de Sol, bajo el cual trabajan estas esforzadas mujeres.

 

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La Galería neoyorkina Rehs tiene una importante colección de Obras del artista en:

 

http://www.rehs.com/virtexjd.htm

08
Jul

Akseli Gallen-Kallela (1865-1931)

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Axél Waldemar Gallen es un pintor finlandés que como su contemporáneo compatriota,  colega y amigo Albert Edelfelt, vivió el cambio de una nación bajo el dominio del Imperio Ruso, Gran Ducado de Finlandia se llamó hasta la Revolución Rusa, y el nacimiento de la nueva República de Finlandia. Como Edelfelt, tenia raíces suecas y cambió su nombre para darle un carácter más finlandés, Akseli Gallen-Kallela es el nombre elegido.

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Su técnica varia al paso de los años, empieza con un Realismo académico para entrar a los terrenos del Simbolismo, el Naturalismo y el Expresionismo.

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Ese amor por su patria sometida y por las ganas de conservar sus tradiciones lo lleva a formar el Grupo del  Karelianismo que juntó a varias personalidades finesas en torno al poema épico “Kalevala”, que es recopilado del folklore de esa región de Karelia.

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Era un lugar que había mantenido vivas las tradiciones finlandesas durante la ocupación sueca, por casi setecientos años y luego la rusa por poco más de cien, complicado este nacionalismo si lo contextualizamos hoy.

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Los países latinoamericanos, como tales, apenas tienen quinientos años de vida con casi doscientos de ellos viviendo independientemente, esto nos hace recapacitar en el largo periodo de tiempo transcurrido para formar una República independiente, y autónoma, y la cantidad de gente que jamás vivió esto.

 

The Quiet of the Evening, 1890

 

 

Después de casi un milenio puede ser terriblemente complicado conocer las raíces propias, pero esta en la voluntad de los individuos no perderlas y asumirlas.

 

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El “Tríptico de Ayno” es un ejemplo de esta búsqueda nacionalista, de mitología e historia, cargado de romanticismo y simbolismo.

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Otro ejemplo de este rescate de leyendas de la mitología finlandesa se encuentra en la serie de cuadros con la temática del Sampo, que es un Molino que produce, además de grano y sal, oro. En el Kalevala, su heroe Ilmarinen logra construir en su forja el eje central del molino, que simboliza la columna vertebral donde descansa el mundo. 

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Con “La conquista de Sampo” vemos el tratamiento del tema nuevamente recreado.

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Este nacionalismo, sin embargo, no impide que vea y pinte otras ciudades más cosmopolitas y divertidas, como París.

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Es en París, donde pinta:   “Démasquée”, desenmascarada, en 1888. Este cuadro exige un momento de reflexión; la modelo se sienta sobre un tejido finlandés que se llama “ryijy”, son alfombras, tapices o cobertores tradicionales que datan del siglo XVIII. Es en este contexto finlandés donde Gallen-Kallela sienta a su desnuda modelo parisina, modelo que tiene una expresión lúdica que juega con nosotros mostrando tanto su cuerpo como su actitud desenfadada y algo aburrida. En su rostro podemos ver las huellas de esa vida bohemia, con ojeras incluidas, que nos hacen pensar en el poco interés por maquillarse para ser retratada, quizás una mujer con ganas de ser “desenmascarada”, o una mujer ajena a restricciones estéticas que limiten su “yo”.  Para mi este es el comienzo de una mirada expresionista en el pintor, mirada que años más tarde plasmaría con un estilo mas acorde a su nueva visión.

 

 Démasquée, 1888

Gallen-Kallela pintó varios retratos, de gente de la alta sociedad finlandesa, artistas y amigos, pero es en los que trabaja con su familia en los que vemos una mayor pasión y dedicación. El retrato de su hermanastra Anna Slöör es uno de los mejores. 

 

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Anna era una asidua visitante de su casa en Kalela y es ahí donde la pintó frente a la puerta del comedor, con un modelo de bote colgado en la esquina superior.

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“El Sauna” de 1889, es la representación de la vida cotidiana finlandesa, es retratar un acto tan natural de una forma poética y bella.

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Self-Portrait in Fresco, 1894.

La muerte de su hija Impi Marjatta,  en 1895, es el momento de sacar a flote toda esa rabia contenida,  y llevarnos a escenas más violentas, tanto en su tema como en el tratamiento de su paleta, “La defensa del Sampo” puede considerarse un ejemplo de este planteamiento de rompimiento académico.

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 Joukahainen\'s revenge, 1897

Con “El Fraticida” (1897) Gallen-Kallela pinta la Balada que cuenta la historia de un joven que mata a su hermano, es también la imagen de una madre con sentimientos encontrados, dividiendo su cariño y odio entre sus dos hijos.

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Según palabras de Gallen-Kallela, “Empecé un pequeño cuadro que es tan simple y directo como una canción folklórica. Los colores son un rojo profundo, negro, amarillo verdoso y gris, con un par de retazos de un virulento verde y una llama amarilla como final. Todo es como música con color, en una llave menor, donde estos dos retazos son como cuerdas rotas, un llanto desesperado de dolor”.

El tratamiento de la paleta, simple y opaca (producto del uso de tempera) nos enlaza al mundo de los textiles finlandeses clásicos.

 

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Sigue ese uso temático de amor materno con “Lemminkäinen’s Mother” (1897), es la historia del caprichoso Lemminkäinen que es rescatado del río de Tuonela, el río de la muerte, por su madre y traido a la vida con la ayuda de una pequeña abeja.

La escena muestra el instante cuando la madre saca del río a su hijo, pero todavía no es traído a la vida. El cuadro esta lleno de símbolos de muerte y señales de desesperación materna, como pueden ser el omnipresente color negro del río con un Cisne en él junto a los rayos dorados, las flores de la muerte, las rocas cubiertas con un rojo sangre y el cuerpo petrificado que evoca la mortalidad con un cadáver en el que se ven los huesos de su tórax. El “toque” de realismo lo crea el pintor usando su propia madre como modelo en la escena, la expresión de profunda tristeza la logró (según palabras del propio Gallen-Kallela) al decirle, a su madre, palabras melancólicas y agresivas  para poder lograr la atmósfera adecuada.

 

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“Tuonelan joella”, 1903, es otro ejemplo del uso de ese “río de la muerte” como tema de su obra. Destacan las expresiones de los diferentes cuerpos retratados, la determinación del hombre embarcándose a un futuro incierto, la mujer a su espalda gimiendo de tristeza e impotencia viéndolo partir, la niña afligida o la anciana tranquilizadora y complaciente, son rostros que reflejan maravillosamente un carácter individual.

 

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La otra vez que el artista usa a Anna Slöör como modelo es en “Primavera” (1903), un boceto para un mural de mayores proporciones. Anna, nueve años mayor, es representada como una enigmática joven mujer, ensimismada en sus pensamientos mientras saborea la primera flor de la primavera en sus labios. Los hijos del artista Kirsti y Jorma miran detenidamente la llegada de la primavera, con una expresión llena de curiosidad en el otro extremo del cuadro.

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La vida de Gallen-Kallela es una vida de un hombre de su tiempo, preocupado por sus raíces como por aprender y ver todo lo que lo rodeaba. Viajó por varios continentes incluidos África y América,  donde pintó con su particular visión sus gentes minoritarias y olvidadas. Trabajó, además de sus pinturas, en frescos, esculturas, ilustraciones y textiles. Diseñó uniformes, banderas o anuncios publicitarios. Fue un artista “total”.

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http://www.gallen-kallela.fi/english.html

24
Jun

Théodore Géricault (1791-1824)

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Théodore Géricault  estudió poco tiempo pintura, su carácter impaciente, inquisitivo, aventurero y desordenado, le impidió sentarse a recibir clases. El prefería ver, más que estudiar. 

 

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Es ese temperamento impulsivo y desenfrenado lo que hace difícil encasillar dentro de un estilo particular su Obra, con poco estudio académico, apenas tres años,  se puede decir que se formo a si mismo, copiando cuadros clásicos en el museo del Louvre y tratando de “ver” todo lo que podía. Con esa impaciencia es natural el uso de una paleta “empastada”, bordeando lo expresionista.

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Sin duda, vemos en estas imágenes un carácter “expresionista”, que es el deseo de darnos “su” visión de las sensaciones que fluyen en su cabeza deformando la “realidad” en pos de brindarnos un acercamiento más intimo a lo que él creía debería ser un mundo sin reglas formales o académicas.

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Escapó rumbo a Italia, tras haber dejado embarazada a su Tía, lugar dónde ve la obra de Miguel Ángel y su Capilla Sixtina, y es el lugar dónde conoce la Obra de un pintor con una vida similar a la suya, Caravaggio.

 

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La similitud se aprecia en unas vidas que bordearon lo novelesco, casi salida de un guión de Cine. Ambos quedaron huérfanos de muy jóvenes; los dos poseían   temperamentos fuertes, sin restricciones morales de ningún tipo, fueron hombres que transmitieron toda esa pasión y energía en su Obra. Los dos mueren jóvenes, empezando apenas sus brillantes carreras. 

 

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Esta admiración por Caravaggio nos presenta un estilo evidentemente Barroco, con el guiño al Tenebrismo del italiano.

 

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La pintura Neoclásica se traza con líneas paralelas mientras el sello del Barroco son las diagonales; vemos en la mayoría de la Obra de Géricault el uso de estas diagonales.

 

 

En “Desnudo de un guerrero con lanza”, 1816, la pierna derecha del modelo, su lanza y el hombro izquierdo forman tres diagonales paralelas, mientras el cuerpo es dividido en pequeños triángulos, como los producidos desde la inclinación del brazo derecho hasta el muslo izquierdo, lo que nos da un ejemplo claro de este modo “Barroco” de enfrentar la tela.

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El “Romanticismo” lo da el cuerpo viril, fuerte y enérgico, que se contrarresta con un fondo limpio y austero, creando una melancolía que puede ser la metáfora de una Francia napoleónica triste y vencida; acordémonos que Napoleón es derrotado por el Duque de Wellington en la batalla de Waterloo, en junio de 1815, siendo desterrado a la isla de Santa Helena en octubre del mismo año, donde muere envenenado tras seis años de reclusión.

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Su pasión fueron los caballos, los representó de varias formas y en varios contextos, en Francia, Inglaterra o Italia, corriendo con sus cuatro patas alzadas, algo que sólo se supo a finales del siglo XIX con la invención de la fotografía, antes se creía que los caballos “siempre” tenían alguna pata en el suelo,  él supo antes que no era cierto. 

 

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“Un cazador de la guardia imperial a caballo”, 1814, es una de mis obras preferidas desde niño. Es un claro ejemplo de la transición del Barroco y el neoclasicismo al Romanticismo; un colorido flamenco y veneciano nos lleva a participar en la acción del “caballero”, nos crea un sentimiento épico de batallas ganadas o perdidas. No representa la acción de una manera neoclásica como los cuadros de “David”, es más “real”, con pinceladas sueltas que reflejan la tensión del momento, haciéndonos participar en esa batalla olvidada, con un colorido monocromático.

 

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Toda la fuerza de la mirada del caballo hacia la derecha es compensada por la actitud del jinete hacia la izquierda, equilibrio bellamente realizado; el uniforme del soldado nos recuerda que antes las guerras las hacían los “Caballeros”, no los “Señores de la Guerra”. 

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“La balsa de la Medusa” es “la Obra” de Géricault, muchos han visto el cuadro sin siquiera conocer el nombre del artista, menos su vida o las causas del accidente. La historia del cuadro narra el naufragio de la fragata “Medusa” en 1816, por una negligencia de su capitán vinculado a ese Gobierno, lleno de intrigas, de Luis XVIII (es bueno recordar como llegó al poder bajo la mano de Joseph Fouché), el cual dejó 150 personas en medio de la costa africana occidental a su entera suerte. Después de dos semanas la balsa fue encontrada con sólo 15 supervivientes, 5 de los cuales murieron al poco tiempo del rescate, es decir sobrevivió sólo el siete por ciento de los náufragos en esa Balsa. Al año de sucedido el hecho, quedó de público manifiesto el grado de corrupción y negligencia de las autoridades monárquicas que trataron de esconder el caso con triquiñuelas desinformativas pueriles, para excusar lo lento del rescate y lo mal que actuó su capitán. Hoy podemos recordar casos similares, pero no es lo nuestro. 

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Para una mayor exactitud y realismo Géricault utilizó el gran formato, la obra mide 5 x 7 metros, estudió una replica a escala así como hizo posar modelos dentro de ella para una mejor, y fiel, representación de los hechos de la tragedia, Eugène Delacroix fue uno de los modelos. Géricault rompe con todos los canones de academismo y neoclasicismo que debían ser los parámetros para representar historias dentro un cuadro. Sólo en la composición del tema podemos ver un tratamiento “formal” de la tragedia, utilizando la diagonal que nos muestra parte de los náufragos extendiéndose progresivamente hacia la derecha para aumentar las reacciones con el movimiento de las camisas. A su vez los cadáveres y las velas forman una diagonal secundaria, para crear el énfasis desolador del rescate. Todo este tratamiento del tema llevó a crear una gran influencia en “románticos” posteriores, esta mezcla entre romanticismo y realismo es lo que nos deja el sabor a impresionismo y expresionismo, que nos refleja una obra contemporánea creada hace casi dos siglos atrás. 

 

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“El Beso” de 1822, es otro ejemplo de la anticipación de Géricault a un “nuevo” tratamiento de los temas en ese siglo XIX, un beso representado de una forma impúdica, en ese entonces, con un estilo “Manierista” sin cuestionamiento. Lo complicado de la pose de la mujer nos demuestra las ganas de Géricault de provocar mostrando una parte más que la otra, por la posición de los amantes habría sido más natural ver la nalga izquierda de la mujer, en vez de su vulva. Estas ganas de utilizar viejos estilos, el Manierismo ya estaba pasado de moda en esa época, nos refleja la visión particular de un hombre atrevido, sin miedo al ridículo, con mucho que decir y pintar si el destino lo hubiera permitido.

 

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En el final de sus días Géricault se adentra en el mundo de la locura marginal. Retrata hombres y mujeres rechazados socialmente, cleptómanos, ladrones, secuestradores, jugadores, etc., son los sujetos de su nuevo interés. Son la representación de unos seres cotidianos con un bagaje psicópata y turbio, seres que son el reflejo de una sociedad escondida en esos inicios del siglo XIX, que nos llevan a una realidad no querida o buscada, nos presentan lo que no queremos ver o lo que no queremos recordar, un mundo negro dentro de lo puro de nuestras vidas, una visión con ojos de Francis Bacon, en definitiva. 

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“Los obstáculos y las dificultades que evitan los hombres mediocres, son una necesidad y alimento para el genio. Esto lo madura y lo eleva; transitar por un camino más fácil lo  mantendría congelado”.

Théodore Géricault  

 

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Varias obras en artcyclopedia:

http://www.artcyclopedia.com/artists/gericault_theodore.html

 

21
Jun

Lovis Corinth (1858-1925)

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Lovis Corinth nació en la mitad del siglo XIX, en un pueblito llamado Tapiau en ese entonces bajo el dominio del Reino de Prusia. Tras la segunda guerra mundial Prusia del Este se esparció entre lo que hoy es Lituania, Polonia y Rusia.

 

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Este pintor, ayer prusiano hoy alemán, es quizás uno de los más grandes olvidados de la historia del arte.

 

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Las razones las podemos apreciar en su vida, obra y quizás en lo más relevante: la época que le tocó vivir.

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Una época esa, del siglo XIX, que era regida por parámetros censuradores bajo el canciller “de hierro” Von Bismark,  y luego los Kaisers Guillermo I y II. Para rematar hasta la mitad del siglo XX fue controlado por las ideas de la gente del poder en ese entonces, Hitler y sus muchachos, que catalogaron su Arte como “Degenerado”, con mayúscula. Esto hoy es signo de buen “hombre” y buen artista pero en ese periodo era algo frustrante, sinónimo de penurias económicas, sociales y carente de todo reconocimiento estatal, un paria en definitiva. 

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Conociendo la obra y vida del artista, poco le importó los aplausos en vida, quizás si los aplausos después de muerto; una lastima tanta demora.

 

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Corinth estudio Arte en la Academia de Munich, que por ese entonces era la ciudad rival de París en todo lo relacionado con Arte de vanguardia. Viajó a París, a finales del siglo XIX, donde conoció a Coubert y su estilo Impresionista, ahí cambia su paleta formal y académica por esta nueva manera de tratar el color, con un pincel más suelto y revolucionario.

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Claro que esta es una interpretación libre de mi parte, Corinth siempre negó conocer los impresionistas, quizás por el hecho que el Grupo jamás lo aceptó, las envidias e intrigas habituales entre artistas.

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La vida de Corinth fue un exceso de todo tipo, se casó con una de las primeras estudiantes de su Academia, Charlotte Berend, mujer que retrató en numerosas ocasiones, como el autorretrato del inicio, realizado de una forma transgresora, sin tapujos morales. Fue la “Musa” de toda su Obra y el pie a tierra para enfrentar el desenfreno de su vida.

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A su regreso a Munich forma parte del Grupo berlinés “Sezession” del pintor Max Liebermann, el cual llegaría a liderar tras el retiro de este.

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Su paleta se torna más expresionista en 1911, algunos críticos atribuyen el cambio a una parálisis de su mano que lo obliga a trazar sin tanto detalle, coloreando para tapar el defecto. Para mi modo de ver, este juzgamiento es apresurado y liviano; el vuelco al expresionismo es producto de seguir los vaivenes del tiempo, como también es producto de la necesidad del hombre de encontrar un nuevo camino para representar los objetos con una mirada innovadora y libre.

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Con un carácter excesivo, rayando lo paranoico, Corinth realizo autorretratos en todos sus cumpleaños, a partir del comienzo del siglo XX, en ellos vemos la evolución del hombre como vemos la evolución de su estilo. Siempre buscando romper las tradiciones estéticas, ya sean estas relacionadas con todo lo del Arte o de la belleza humana. 

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Corinth experimento con casi todas las técnicas de la Pintura, excepto la aguatinta, utilizó el óleo, el grabado, el dibujo, la litografía, etc., para  sacar esas ideas de su cabeza, más de 900 obras son su legado.

 

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Los desnudos, el sexo, la muerte, temas bíblicos y mitológicos, todo esto entró en su gran producción, siempre con un estilo que buscaba choquear al espectador, con Obras intensas, grotescas, llenas de significado y humor.

 

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Talvez su vida nos deja un cierto aroma a Anders Zorn, por el gusto a las mujeres y el alcohol, pero se nota el elemento germano de principios de siglo XX en Corinth, un expresionismo latente, vivo y rompedor.

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1911

 1897

Corinth le dijo a un amigo, Leo Michelson, el modelo para la figura de Cristo: “Quizas este sea mi último cuadro” era “Ecce Homo”,  un mes después de finalizarlo murió, mientras visitaba Holanda viendo las Obras de su querido Rembrandt.

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El Musée d´Orsay realizó una exposición de la Obra de Corinth con motivo del 150 aniversario de su nacimiento, que será también presentada en Leipzig, Museum der Bildenden Künste, del 9 de julio al 12 de octubre 2008 y en Ratisbonne, Kunstforum Ostdeutsche Galerie, del 9 de noviembre 2008 al 15 de febrero 2009.

 

bacchanale-1896

 

http://www.musee-orsay.fr/es/actos/exposiciones/en-el-museo-de-orsay/exposiciones-en-el-museo-de-orsa/article/lovis-corinth-7834.html

 

1899

 

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Un sitio, en alemán,  con un muy buen catalogo de las Obras de Corinth:

http://www.zeno.org/Kunstwerke/A/Corinth,+Lovis?hl=lovis+corinth

 

bacchanale-1896

 

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Un muy buen libro, en inglés, con una completa mirada al artista en:

 

http://www.escholarship.org/editions/view?docId=ft1t1nb1gf&brand=eschol

 

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10
Jun

Santiago Rusiñol i Prats (1861-1931)

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El hablar de Santiago Rusiñol es hablar de la belleza del Arte, es hablar de Modernismo, es hablar del Cau Ferrat, es hablar de Els Quatre Gats, es hablar de Pintura, Literatura, Teatro y Humor, es hablar de su amigo Ramón Casas; es tener en mente su máxima: “El arte por el arte”.

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Rusiñol era arrogante, irónico,  con una fuerte personalidad que, a veces, no era del agrado de todos.

 

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Fue una oveja negra, pertenecía a una tradicional familia catalana, que siempre luchó contra esos sectores conservadores, pequeño burgueses, que eran su raíz.

 

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Ramon Casas, con un background muy similar al suyo, fue su compañero de viajes por esa Catalunya de finales de siglo XIX, recorrían los parajes pintando todo lo que veían sus ojos, ahí nace, también, el Rusiñol escritor.

 

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Sus escritos son más incendiarios que sus pinturas, creo que el hecho de estar amparado bajo un seudónimo le quitó timidez a su postura radical.

 

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Este viaje emprendido creó anécdotas, que hoy no sabemos muy bien si son parte del imaginario popular catalán o fueron realidad. Una de estas narra la vez que trataron de vender “duros” (moneda de cinco pesetas) a cuatro pesetas, ante la atónita y desconfiada mirada de los presentes; para que decir que no lograron vender ni uno, los catalanes son desconfiados cuando de dinero se trata…

 

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Viendo su Obra, desde el inicio, se nota una paleta con muy poco color, en tonos ocres. Tras su llegada a Sitges y el comienzo de su temática paisajista vemos como entra el color de una forma intempestiva, rompiendo con su pasado. Otro detalle para acotar es la utilización de una perspectiva formal, con puntos de fuga claros y precisos que corren generalmente de izquierda a derecha, desde arriba hacia abajo. Otro elemento que usó para crear una profundidad precisa son las diagonales trazadas desde las esquinas de la imagen que brindan fuerza para hacernos “entrar” en su Obra.

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En 1888 abandonó su familia, esposa e hija para “escapar” a París, junto al escultor Enrique Clarasó, ahí convive con Ignacio Zuloaga, Miguel Utrillo y Ramón Casas.

 

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Se sumerge en los terrenos del Impresionismo y Simbolismo, es ahí donde enfrenta el Clasicismo imperante en su tierra natal y aflora su postura Modernista, con una visión Naturalista intimista hecha a partir del encantamiento de un París cosmopolita y tolerante.

 

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Es en París donde el artista se hace adicto a la morfina, se dice que producto de una caída, y es en Sitges donde se recuperará junto a su esposa. Transforma su casa de veraneo en un centro de arte total, Cau Ferrat.

 

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Dependiendo el uso la palabra catalana “Cau” puede significar desde madriguera hasta cuchitril, en un ámbito familiar se traduce como cuarto, “Ferrat” se traduce como herrado. Por tanto Cau Ferrat viene a ser algo así como: “Cuarto adornado con hierro”.

 

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Ese es, de hecho, el origen del nombre de esa casa comprada por Rusiñol en 1891, en Sitges, un lugar donde guardar su colección de piezas de hierro forjado, como candelabros, cerrojos, llaves y otros ornamentos que el artista coleccionó.

 

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A ese “Templo del Arte” Rusiñol trasladó la colección de pinturas hechas por sus amigos, antes mencionados, así como Obras de El Greco, Picasso, Pitchot, Regoyos y las suyas mismas.

 

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Vuelve a París, esta vez de la mano con Ramón Casas, y establecen su residencia cerca del “Moulin de la Gallete”, donde llega otro conocido Miguel Utrillo.

 

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A su regreso a Catalunya, en 1892, Ramón Casas sigue su camino con sus desnudos, y Rusiñol se centra en el tema final de toda su Obra, los Paisajes. Recorre el sur de España, pintando estos paisajes que deben ser una bella forma de olvidarse de la morfina y su submundo.

 

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El Novecentismo, que en catalan Eugenio D´Ors llama Noucentisme, margina a Rusiñol totalmente. El “Noucentisme” quiere ser la respuesta al “Modernismo”, quieren ser ellos los que eleven la cultura catalana a nivel europeo. El siglo XX olvida a Rusiñol desde sus inicios, lo olvida de una forma brutal, tratándolo como figura de renombre, premiando su obra y vida, renombrando calles en su honor, en definitiva tratándolo como el “Sumo Pontífice” del Modernismo, pero a su vez despreciando el Modernismo por encontrarlo pasado de moda.

 

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Rusiñol vive 31 años en este siglo XX que lo elogia y margina todo al mismo tiempo. Se dedica a escribir novelas, poesía y teatro, pero su pintura no volverá a ser lo que fue en esa “Belle Époque”.

 

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Muere pintando uno de sus Jardines preferidos, el de Aranjuez en Madrid. Curiosamente Madrid fue una ciudad que le dio la espalda por muchas décadas, sólo hace poco Rusiñol es reconocido como pintor. Las envidias y las ganas de “proteger” a sus propios artistas crean estas acciones injustas y desmerecedoras.

 

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03
Jun

Lino Enea Spilimbergo (1896-1964)

autorretrato-1930

autorretrato-1959

Spilimbergo era el apellido de su madre, Enea el de su padre, su segundo apellido pasó a ser el primero, de este modo se conoce a este pintor argentino. La ventaja, como artista, sobre sus otros contemporáneos esta en el hecho de haber viajado a Europa cumplido 26 años, ya formado como pintor, su estadía se prolongó unos tres años donde viajo y vivió en Alemania, Francia e Italia.

 

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Esto es una ventaja porque Spilimbergo escapa del “Academicismo” que tendría que haber seguido por dos hechos fundamentales: el primero haber nacido en las postrimerías del siglo XIX, y el segundo ser un hombre latinoamericano.

 

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Esta “tardía” entrada a Europa lo lleva a ver estilos como el constructivismo, cubismo, expresionismo, fauvismo, naturalismo o surrealismo, con unos ojos maduros y confiados.

 

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desnudo

 

Su obra es la sumatoria de todos estos estilos pero sin llegar a casarse con ninguno en particular, incluso se puede afirmar que logró mezclar todo esto para representar una realidad más latinoamericana, una antesala al “Boom” latinoamericano surgido tres décadas más tarde, algunos lo catalogan dentro de la escuela “indigenista”, pero esto es muy mexicano para mi, su obra es más universal.

 

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Se aprecia una influencia grande de los expresionistas alemanes en su obra, pero tratada de una forma menos agresiva, más romántica.

 

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Giorgio de Chirico es otro referente cuando vemos esas terrazas con figuras geométricas en escenarios “metafísicos”, los ojos grandes de sus retratos nos recuerdan a Picasso, sus bañistas nos traen a la mente a Cezanne, en fin muchos estilos tratados de una forma particular.

 

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Con su serie de “Emma” cuenta la historia de la transformación de una correcta niña en una ninfómana insaciable, son hechas como “Monocopia” que es un grabado o litografía que el artista interviene para crear uno solo, esto le da su carácter exclusivo.

 

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La historia se basa en un hecho policial en el cual una mujer de 30 años se suicida lanzándose desde un balcón. Este hecho tomó Spilimbergo para realizar 34 monocopias que nos relatan el submundo en que vivió esta mujer atormentada.

 

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Hoy vemos en la obra de Spilimbergo una actualidad avallasadora, obra hecha por un hombre adelantado a su tiempo. Cuesta entender el olvido de su pueblo y la tan escasa difusión de su legado hasta casi una década atrás, talvez la explicación es el haber vivido su vida bajo cuatro golpes de estado en Argentina (en 1930, 1943, 1955 y 1962), sucedidos por pequeños periodos de democracias débiles.

 

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Estos golpes, hechos para “poner orden” interrumpen los procesos creativos de los artistas que no se alinean bajo el alero “moralizador”, “reformador” o custodio del “bien” bajo el cual se excusan los militares golpistas. La obra de Spilimbergo tiene ese aroma de “protesta social” que no cae bien en esferas castrenses.

 

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Esta es la página más interesante, y completa, que se puede ver del hombre y su obra:

http://www.paseosimaginarios.com/artistadelmes/spilimbergo/1.htm

 

27
May

John Singer Sargent (1856-1925)

autorretrato 

 

John Singer Sargent fue uno de los más famosos y admirados retratistas estadounidenses del siglo XIX. Su fama se debió a su exquisita técnica en el manejo del óleo como a su background europeo.

 

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Sargent nació en Florencia, sus padres (ambos estadounidenses) fueron un acaudalado médico y la hija de un prospero comerciante textil, que decidieron vivir sus vida viajando por Europa para no volver nunca más a su tierra.

 

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La vida de este pintor, hasta su muerte, transcurrió siempre en los mejores círculos sociales codeándose con aristócratas y millonarios en esas paredes restringidas al acceso de la plebe.

 

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La vida de Sargent es una vida novelesca como sacada de la imaginación de Francis Scott Fitzgerald, una vida que giraba entre almuerzos, cenas y bailes, regada con el mejor vino, las más bellas mujeres, los jóvenes más apuestos y los bocados más exquisitos.

 

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Sargent era políglota, excelente músico, intelectual de calibre, un Gourmand en todo el sentido de la palabra. Quizás esto lo diferencia de sus contemporáneos colegas, casi todos sufriendo penurias y soñando con vivir a la décima parte del estadounidense.

 

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Estados Unidos, a fines del siglo XIX, no era la gran potencia que hoy conocemos, y sus ciudadanos eran tratados con un dejo despreciativo en Europa. Una especie de nuevos ricos, sin cultura ni maneras, en un mundo de sofisticación y glamour. El vivió su vida luchando contra éste y otros estigmas.

 

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El retrato de su compatriota estadounidense Virginie Avegno, casada con el banquero parisino Pierre Gautreau, fue su pintura favorita. Muestra una mujer arrogante, vestida de forma ostentosa con un traje de seda negro, con un tirante de pedrería a punto de caer. Una silueta entallada con escote de avispa, posando su mano en una mesita estilo Imperio, era justo lo necesario para que la sociedad tratara de cualquier cosa a esta mujer bella y altiva. Esto hoy no merece ningún tipo de comentario, las mujeres que vemos todos los días en los diferentes medios de comunicación, o simplemente caminando por la calle, visten de forma más arrogante y sensual que esta señora de negro.

 

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Pero para la época, finales del siglo XIX, fue una bofetada primero para la burguesía  y segundo a esa gente que sufría de penurias económicas en esa Europa pre revolución industrial. Presentó el cuadro en la exposición de 1888 en Paris con el título de “Madame Pierre Gautreau”, siendo tal el clamor popular por tan “descabellado” retrato que Sargent decidió retirarlo de la muestra. Años más tarde, 1916, cuando vendió la pintura al Museo de Arte Metropolitano de Nueva York le cambió el  nombre por el de: “Madame X”,  repintando el tirante sobre su hombro derecho para tratar de poner fin al escándalo. La foto de abajo es como se veía el cuadro el día de la exposición parisina, antes del cambio en el tirante.

 

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Sargent volvió a Estados Unidos cuando cumplió 21 años, el retorno sólo fue para obtener la nacionalidad de sus padres, una vez logrado emigró nuevamente para nunca radicarse ahí. Aquí vale la pena detenerse y analizar los hechos, aunque pasó un año de su vida viviendo en Estados Unidos la mayor parte de su Obra esta en manos de particulares o Museos estadounidenses, Europa de cierta manera se dejó “robar” el hombre y su obra. Italia, Inglaterra, Francia o España podrían haber tenido la visión de conservar más trabajos de Sargent pero para esto hay que carecer de chauvinismo; el ensalzar hombres, o artistas, ajenos a la patria siempre crea envidias dentro de los pequeños círculos mediocres que ostentan el poder.

 

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El triunfo de Sargent, es haber sido capaz de colocarse como referente en éste mundo elitista y adjetivador, el hecho de ser retratado por Sargent era ser pintado por el “mejor”.

 

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Su producción fue sorprendente cerca de 900 oleos, 2.000 acuarelas y un sin número de dibujos a lápiz o carboncillo hablan de la necesidad de un hombre por retratar todo lo que veían sus ojos, desde presidentes, príncipes, empresarios, o amigos, a gente modesta como gitanos o vagabundos, todos tratados con la misma pasión.

 

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Su amistad con Monet  lo llevo a retratarlo en un par de ocasiones e incluso compró alguna obra del francés, pintaban en conjunto, por la década del 80 al 90, por lo que llama la atención el desconocimiento que Monet tiene de Sargent, desconocimiento que lo lleva a afirmar que el estadounidense no es impresionista. Algo completamente injusto y carente de toda rigidez critica, basta ver la obra de Sargent de 1887, en la cual retrata al propio Monet pintando, para ver una manera impresionista de trazar el pincel.

 

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Sargent tenía muchos amigos que incluían personalidades como Henry James y Robert L. Stevenson y conocía Dandies como Oscar Wilde y Robert de Montesquiou, sin embargo era considerado reservado y distante en su trato a las mujeres, nunca pasó más allá de flirtearles.

 

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Esto llevo a algunas habladurías cuestionando su virilidad, junto a los  bellos desnudos de hombres que realizó, dejó la puerta abierta a la duda. Respuesta sin ningún tipo de importancia o relevancia, por cierto.

 

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Como Velázquez, sólo pinto, al óleo, una mujer desnuda: “La niña egipcia” en 1891. A su vez, se ve la influencia del español en la actitud distante y distraída de la modelo.

 

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En “La Venus del espejo”, del español, se aprecia un delicado tratamiento del tono de la piel, tono que da una vida sin igual, en “La niña egipcia” se puede observar la misma delicadeza y técnica. Otro referente a esta influencia Velázquiana es “Las hijas de Edward Darley Boit” un homenaje a “Las Meninas”.

 

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26
May

Peder Severin Krøyer (1851-1909)

autorretrato 

Sólo son tres los pintores daneses que se atreven a buscar nuevas formas de enfrentar el Lienzo, a finales del siglo XIX, con una mirada y una paleta diferente al tradicional academicismo que influyó toda la obra de sus colegas contemporáneos. Kristian Zahrtmann, Theodor Esbern Philipsen y Peder Severin Krøyer son los hombres que nos brindan esa nueva mirada real y natural.

 

Mañana en hornbaek, 1875

 

Krøyer es uno de los más queridos y reconocidos pintores daneses de todos los tiempos; al poco de nacer, en Noruega, su tía materna lo adoptó y se lo llevó junto a su marido a vivir en Dinamarca.

 

Marie Kroyer, 1890

 

Al cumplir veinte años conoce al mercader de tabaco y filántropo Heinrich Hirschsprung, hombre con el que entabla una amistad que los une toda la vida.

 

heinrich-hirschsprung-samlingens-stifter-1898

 

 

Hirschsprung es su sostén económico en los primeros años de estudio, es la persona que le presenta a su futura esposa, la pintora Marie Triepcke, es el fundador de su Museo, es el que paga sus viajes, es el que compra sus cuadros; es en definitiva el hombre que apuesta por el talento del joven pintor.

 

mujeres-y-pescadores-de-hornbaek-1875

 

Su obra tiene ese típico colorido nórdico, con tonos suaves y puros, tan puros que iluminan la escena de un modo solo logrado por ellos; es ese estar tan cerca de la “Aurora  Boreal” lo que podría explicar el tratamiento de las sombras que nos reflejan esos colores melancólicos y a la vez alegres.

 

skagen-1884

 

Tras años de viajar por toda Europa retorna a Dinamarca, donde se radica en el pueblo costero de Skagen. Ahì es un asiduo del hotel Brøndum, el lugar de encuentro de un grupo de artistas y escritores, que residían en el pueblo a finales del siglo XIX.

 

dia-de-verano-en-skagen-1884

 

Se dice que Krøyer fue el líder de este grupo de hombres que pintaban todo lo que veían, como la vida cotidiana de los pescadores residentes lidiando entre esas salidas, o entradas, al Mar para proveer los alimentos, así como las penurias económicas del día a día.

 

pescadores-de-hornbaek-1875

 

No es casual ese aroma impresionista de su obra, estudio en París donde conoció a  Degas, Manet, Monet, Renoir y Sisley. Enfrentó la Tela con una temática más naïf, de cierta manera un poco más femenina, que sus colegas franceses. El quiebre con el academicismo lo realiza por medio de su paleta, pero sus modelos posan de una forma tradicional.

 

pintores-en-la-playa-1882

 

En 1885 Krøyer compró una cámara fotográfica, este simple hecho es trascendental en el posterior manejo de la composición en sus obras, vemos un encuadre del sujeto representado con una profundidad de campo  que nos remite, invariablemente, a pensar en estar viendo fotos más que cuadros. Hip, hip, hurra es un fiel testimonio de esto.

 

Hip hip hurra! Kunstnerfest på Skagen 1888.

 

 

El cuadro salio de una foto tomada en un almuerzo del Grupo de Skagen donde participan alrededor de la mesa hacia la izquierda: Martha Johansen, Viggo Johansen, Christian Krogh, el mismo Krøyer, Degn Brøndum, Michael Ancher, Oscar Björck, Thorvald Niss, Helene Christensen y Anna Ancher con su hija de cuatro años Helga.

 

bano-de-muchachos-1892

 

 

Sus diez últimos años de vida transcurrieron en una lucha contra la sífilis, que lo termino dejando ciego y medio loco, sin embargo ni esto logro sacarle de las manos sus pinceles, hasta el final pintó incluso bromeando que el no ver más que un problema era una ventaja, ya que sus otros sentidos estaban vigorizados.

 

playa-de-skagen-1903

 

Sin duda, de haber vivido más tiempo en París su obra sería conocida en todas partes y valorada de la forma que merece este danés extraordinario.

  

tarde-de-verano-en-la-playa-1893

 

stenbjerg-1889

 

edvard-and-nina-grieg-at-the-piano-1892

 

marie-en-el-jardin-1893

 

tarde-de-verano-en-skagen-1899

 

 

Algo de su biografía (en ingles), con explicaciones de algunos cuadros en:

http://www.articlesandtexticles.co.uk/2006/05/16/parading-my-ignorance-or-painters-i-should-have-known-about-005/

13
May

Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938)

 

Autorretrato con modelo, 1910

 

Kirchner es otro pintor expresionista alemán que como sus contemporáneos Franz Marc y Otto Mueller luchó en esas trincheras de la primera guerra mundial.

 

Selbstbildnis als soldat, 1915

 

Como buen hombre, y pintor adelantado, los nazis le hicieron el “favor” de catalogar su obra dentro del termino “Arte degenerado” ya conocido a los asiduos lectores de este blog.

 

Desnudo acostado delante del espejo

 

Este tratamiento de “degenerado” lo obligo a renunciar a la academia de bellas artes de Berlín, en 1933.

 

La roja ribera Elisabeth en Berlî

 

 

the-rhine-bridge-1914

 

Se confiscó su obra (mas de 600 cuadros) de todos los Museos alemanes para ser destruidas o vendidas; la autoridad llegó incluso a quitarle su nacionalidad, elementos que contribuyeron al suicidio del artista en 1938.

 

Ragazza di gato franzi, 1910-20

 

Fue uno de los más prolíficos pintores de esa camada de expresionistas alemanes que fundaron el grupo “Die Brücke”, junto a Fritz Bleyl, Erich Heckel y Karl Schmidt-Rottluff.

 

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Grupo que basó su posición en contra del academismo que los rodeaba mediante una obra llena de colorido y temática contingente como medio para romper ese Clasicismo imperante.

 

Tre bagnanti al mare, 1912-20

 

 

La primera exposición del Grupo fue en Leipzig, 1905, en la Galería de P. H. Beyer e Hijo. Este enfrentamiento contra el “establishment” genera una oleada productiva en todos los integrantes, sumando cada día más adeptos con ideales de reforma y búsqueda de nuevos caminos.

 

Due-bagnanti-fehmarn-1912

 

Llega a tanto la fama del Grupo que incluso se les encomienda la creación de una Capilla, algo impensado colocando en la balanza el carácter reformista de los pintores y el consabido tradicionalismo de la Iglesia católica.

 

paesaggio-autunnale-sertg-autunnale-il-kurhaus-chavadel, 1936

 

Todo lo bueno tiene su fin, el protagonismo de Kirchner crea llagas en sus compañeros para finalmente disolver la unión en 1913, lo tildan de egocéntrico cuando los “medios” lo llaman a narrar la historia del Grupo en: Chronik der Brücke (Cronica del Puente).

 

Cafe in Davos, 1928

 

 Dance, 1911

 

 the-visit-couple-and-newcomer, 1922

 

 

Kirchner trabajaba desnudo como una manera de “pasar” de convencionalismos formales y hacía posar a sus modelos, la mayoría de su entorno social más que profesional,  no más de 15 minutos para contribuir a la espontaneidad del momento.

 

Estudio de Kirchner, 1915

 

Traspaso el elemento expresionista de sus telas a su vida cotidiana, catalogando como tonterías sociales las normas éticas que juzgan las conductas de las personas llevándolas a terrenos de prejuicios y censuras que no tienen cabida en un terreno artístico.

 

Artilleros, 1915

 

Su obra deja presente ese background arquitectónico de sus principios, vemos una perspectiva formal, más que descriptiva, con un ritmo y composición que nos puede llevar más a un estilo con influencias cubistas que expresionistas, pero es ese tratamiento del “tema” y lo colorido de su paleta lo que lo encasilla como expresionista. Sin duda Braque, Klee y Picasso tienen un referente en la obra de este genial alemán.

 

paesaggio-sotto-la-luna-invernale, 1916

 

http://www.kirchnermuseum.ch/45803.html