Cy Twombly (1928 – 2011)

Cy Twombly, 2011

Confieso una cierta preocupación, basta que empiece una reseña de artistas para que mueran. Me explico. Estoy trabajando con algunos artistas, hoy vivos, pero antes de publicarlo en Arte & Artistas mueren. Para esto tengo dos remedios para no ser gafe, primero publico más rápido o segundo elijo algunos más jóvenes.

Solon1, 1952

Lamentablemente no me quedo con ninguna de las dos opciones. Sorry. Para que miento, no puedo hacerlo más rápido y los jóvenes considero que les falta un poco de “andar”.

Landscape, 1951

Pero bueno, sigamos con lo nuestro. Cy Twonbly es un artista excepcional; hombre muy poco conocido, para que hablar de su obra. Análisis del público en general, en los terrenos de galeristas y subastas es todo lo contrario.

Untitled, (Peony Blossom Painting). 2007

Las pequeñas reseñas en internet  sitúan su estilo fuera del expresionismo abstracto, hablan de “caligráfico”, no entiendo el término. Bueno, lo entiendo pero no en terrenos pictóricos. “Caligráfico” qué es eso? Está bien tener como referencia Wikipedia, pero no exageremos, por favor, señores blogueros.

Poems to the Sea XV (suite of 24) 1959

Dentro de este primitivismo, entendiéndolo como ingenuo, podemos observar una elegancia en el trazo que contradice el estilo. Vemos técnica y estudio, que nos lleva a pensar en pasión y dominio del pincel más que garabatos hechos al azar. Todo un logro.

Untitled, 1951

La razón de ese olvido del expresionismo abstracto es que el artista abandonó Estados Unidos por 50 años radicándose en Europa. Esto indudable trae una pérdida de acento al hablar pero no una pérdida de “estilo”, opinión personal, of course.

min oe, 1951

Hay un sabor trágico en la vida del artista, algo parecido a esa novela de Somerset Maugham  “El filo de la navaja”; con jóvenes estadounidenses, de clase social alta, que ven en Europa el lugar para encontrarse con ellos mismos.

Untitled 1955-1956

Alistarse en el ejército para salvar el mundo, Twonbly  lo hizo como criptógrafo en 1953, es la única manera, en definitiva, para poder escapar de sus familias y poder viajar y descubrir nuevos horizontes.

myo, 1951

Sin duda, esa Europa nunca los recibió con los brazos abiertos, siempre calificándolos como “nuevos ricos”, quizás también Singer Sargent cae dentro de este análisis breve. Una Europa que se mofó más que aplaudió.

Untitled, 1953

Untitled,,1953

Untitled,,,1953

Vemos un artista, como Joan Miró por ejemplo, que busca su identidad en lo “primitivo”. Cual niño ante un pizarrón de su colegio, Twonbly, traza su obra con tizas blancas tratando de encontrar un significado en ese pizarrón negro o gris, reflejo de una sociedad tal vez?. Qué busca el artista? La aniquilación de la obra, cual niño amurrado, o encontrar un puente de expresión? Quizás.

Sin título, 1970

Zyig, 1951

The Italians, 1961

Leda and the Swan, 1962

Untitled, 1970

http://www.cytwombly.info/index.html

http://www.newyorker.com/archive/2005/03/07/050307craw_artworld

Leaving Paphos Ringed With Waves V, 2009

Trivia: Untitled, 1967, se subasto en Christie’s New York, el 11 de mayo de 2011, en $15,202,500.

Cy Twombly fue el tercer artista contemporáneo invitado a instalar un “trabajo permanente” en el museo del Louvre, pintó el techo de la “Salle des Bronzes” en 2010.

Camino Real (II), 2010

Landscape, 1951

Untitled, 1951

min oe, 1951

myo, 1951

Zyig, 1951

Solon1, 1952

Untitled, 1953

Untitled,,1953

Untitled,,,1953

The Geeks, 1955

Untitled 1955-1956

Poems to the Sea XV (suite of 24) 1959

Untitled 1959

The Italians, 1961

Leda and the Swan, 1962

Untitled, 1970

Sin título, 1970

Victory, 1984

Coronation of Sesostris, 2000 (panel 3 of 10)

Untitled, (Peony Blossom Painting). 2007

The Rose (III), 2008

Leaving Paphos Ringed With Waves V, 2009

Camino Real (II), 2010

Cy Twombly, 2011

Claudio Bravo (1936-2011)

Autorretrato, 1984

Para empezar esta reseña del gran artista chileno es necesario tener en cuenta tres cosas.

Cojines, 1971

La primera es que como buen artista chileno, para triunfar y alcanzar el éxito,  tuvo que irse de su país para nunca volver a vivir en él; como Roberto Matta.

Piernas y Manos, 1975

Lo segundo que se me viene a la cabeza es ver su obra catalogada como hiperrealista, error. Quizás en los sesenta o setenta pudiera ser considerada como tal pero hoy por hoy, con artistas como Richard Estes como ejemplo, el género creo no es el adecuado, realista es más apropiado. Opinión personal, ojo.

Cebollas, 1980

Autorretrato, 1971

Tentaciones de San Antonio, 1984

Autorretrato, 1970

La tercera  es ver como un hombre con las ideas claras, desde el principio, logra con trabajo, perseverancia y más trabajo, crearse un mundo propio lejos de estigmas o calificaciones rápidas que no aportan nada.

Maribel, 1970

Un sudamericano brillante, y transgresor, viviendo en la España de Franco no puede haber llegado mucho más lejos; escapa a Marruecos en 1972 donde vivió hasta su muerte en 2011.

Enzo, 1981

Venus, 1979

Se habla de la compra de su palacio en Tanger, en 1972, donde se refugia y crea ese mundo tan personal  olvidando algunos que ese mismo hombre en Chile, en los sesenta, se compró un avión para recorrer su país sin preocuparse de cosas nimias como hacer la fila en el aeropuerto y esas cosas. Extraordinario.

Retrato de Malcom S. Forbes, 1978

Retrato de la Sra. Tilda Benjumea, 1969

Los años sesenta son de retratos para gente adinerada o dictadorcillos, daba igual. Todo para obtener esos dólares tan necesarios para “escapar”.

Paquete Verde, 1960

Paquete Azul y Beige, 1968

Paquete Marfil, 1967

Paquetes Beige, 1970

Los años setenta son creativos y decidores, continua con su serie “Paquetes” (la empezó en los sesenta) que lo catapultan como artista internacional. El lugar para exponer sus primeros paquetes es Nueva York, 1970, la Galería Staempfli es la seleccionada.

Retrato, 1982

El Velo, 1987

Cabeza de Joven, 1987

Los años ochenta son de la Marlborough Gallery que será el espacio donde ficha como artista exclusivo.

Botas Verdes, 1991

Montura de Caballo Chilena, 1992

Papeles de Seda, 1994

Escultura, 1995

En los años noventa vemos un Bravo solido que busca la perfección en cada obra.

Triptico terracota, 2006

Triptico beige y gris, 2010

El siglo XXI nos presenta un Bravo reconocido con varios homenajes, en diferentes países, que incluso se da el lujo de donar parte de su colección de esculturas greco romanas al Museo del Prado. Es bueno acotar que su interés en las esculturas también incluyeron, en su colección, artistas como: Andy Warhol, Auguste Rodin, Fernando Botero y Francis Bacon.

Triptico azul y verde, 2010

Corrección a Wikipedia: (agosto de 2011) Habla de dos grandes artistas chilenos: Matta y Bravo, olvidando a Mario Carreño. También sitúa el precio de su obra con un tope de medio millón de dólares, se quedó 800 mil dólares corto! “Cosas de Wikipedia”.

Retrato de Spencer Cornelison, 1971

Como es habitual en los artistas que selecciona “Arte & Artistas” las referencias de la obra de Claudio Bravo son escasas por no decir lo poco que se habla del hombre.

Alfombra Roja, 1980

Futbol, Claudio Bravo

http://claudiobravo.com

Paquete Verde, 1960

Paquete Marfil, 1967

Paquete Azul y Beige, 1968

Retrato de la Sra. Tilda Benjumea, 1969

Maribel, 1970

Autorretrato, 1970

Paquetes Beige, 1970

Retrato de Spencer Cornelison, 1971

Cojines, 1971

Autorretrato, 1971

Piernas y Manos, 1975

Retrato de Malcom S. Forbes, 1978

Venus, 1979

Alfombra Roja, 1980

Cebollas, 1980

Enzo, 1981

Retrato, 1982

Tentaciones de San Antonio, 1984

Autorretrato, 1984

El Velo, 1987

Cabeza de Joven, 1987

Botas Verdes, 1991

Montura de Caballo Chilena, 1992

Papeles de Seda, 1994

Escultura, 1995

Triptico terracota, 2006

Tríptico, 2000

Triptico azul y verde, 2010

Triptico beige y gris, 2010

Futbol, Claudio Bravo

Jan Toorop (1858 – 1928)

Este autorretrato pintado al final de su vida, postrado en silla de ruedas, nos ayuda a entender las ideas de un hombre, holandés nacido en Java, que terminó convirtiéndose al catolicismo. Java es una isla, hoy con mas de cien millones de habitantes, que se incrusta dentro de la República de Indonesia. Indonesia es un país con mas de doscientos millones de habitantes, siendo el país con mas musulmanes del mundo. En este lugar geográfico, entre el sureste asiático y Oceanía, nace este artista cuando Java era una colonia holandesa, desde todo el siglo XIX hasta la mitad del XX.

Las tres novias, pintada en 1893, nos da un claro ejemplo de la particular visión del artista. Como también da un ejemplo de ese bagaje cultural de un hombre creado de la unión de un ciudadano holandés nacido en Java (que nunca conocio Los Paises Bajos), y de una china javanesa, de padre inglés, que a su vez jamás fue a Gran Bretaña. Varias culturas, varias religiones, varias etnias dan como resultado un artista que supo amoldarse a diferentes estilos pictóricos, por no decir casi todos los que tenia a mano, en esa época suya.

 

Deseo y satisfacción, 1893, es un cuadro que el Musée d´Orsay lo da como un ejemplo de simbolismo,www.musee-orsay.fr/es/colecciones/obras-comentadas. Me atrevo a decir que es un ejemplo de art nouveau, sin que nadie se ofenda; espero.

Se habla a su vez de la Influencia de James Ensor en la obra de Toorop,  algo también discutible. Al unirse al grupo “Les XX” , grupo de 20 pintores belgas que invitaban a otros 20 pintores “foráneos” puede darse esa “unión”, pero habría que hablar de las influencias también de Monet, Pisarro y Cézanne en su estilo. A su vez, si lubricamos, podríamos hablar del influjo del mismo Singer Sargent en la obra de Toorop. Creo que no tiene mayor importancia en su conjunto.

      

Podríamos hablar del neoimpresionismo y puntillismo de Seurat como  referente también.

Me pregunto por qué tanta preocupación en sacar a colación los “referentes” en este artista del que tan poco se habla. Pregunto a cien personas: “Nombre cinco pintores holandesés”, cuantos incluyen a Toorop en la respuesta? Creo que pocos.

Si pregunto por un pintor nacido en Java, alguien nombra a Toorop? Temo que menos respuestas habría.

La razón del olvido?

Jugar con muchos estilos?

 

Politicamente incorrecto?

Pasado de moda, en su tiempo espacio?

 

Poco colorido en su obra?

Demasiados referentes, otra vez?

Demasiado religioso?

Demasiado Toorop?

Demasiada Annie Hall? (No confundir con la película de Woody Allen, por favor)

Demasiada introspección?

Nada de las anteriores y todas, son la respuesta a estas pequeñas interrogantes planteadas.

Veo “modernidad” en la obra, y vida, de un hombre con ancestros indígenas. Como “inusual” debe haber sido visto un artista, en esa Europa del siglo XIX, con un apellido holandés y una mochila tan “étnica”. Pasada la novedad de este hombre del siglo XIX, siglo de revoluciones y cambios económicos sociales, pasa a ser “inconveniente” la obra de un hombre que desaparece a una década de finalizada la primera guerra mundial y una década antes de iniciar la segunda. Tan “inconveniente” como hablar hoy de xenofobia o racismo.

Toorop es “Titanesco” en su concepción, forma y estilo. Me explico… Titanesco por la grandiosidad de su obra como grande fue el barco. Titanesco por la gran variedad de estilos que empleó. Titanesco porque se hundió igual que el famoso barco, al final de la historia.

Hombre que vivió su tiempo igual que un “Tsunami”. Hombre que se sumergió en todas las corrientes de su época.

 

Visto desde la superficie vemos una tranquilidad quizás demasiado simplona, pero (igual que el tsunami) con una fuerza interior poderosa y arrasante. Tan fuerte, o creadora, desde adentro que sorprende esa fuerza no esperada. No podemos creer, o entender, que algo tan tranquilo, aparentemente, sea capaz de arrasar con tantas formas como conceptos podrá tener delante de si.

 

Toorop no tiene el colorido de un Van Gogh como careció de un estilo definido, para valorarlo hay que entender su “momento histórico”. Lo rescatable  es que captó esas “corrientes”, creadas en ese propio instante de hace un siglo, para subirse al barco, o todos los barcos, que zarpaban dejando a los mediocres viendo la partida desde un puerto cualquiera, esos del establishment artístico. 

Artista que tendría que haber entrado en terrenos pictóricos clasicistas mas de acuerdo con su tiempo o haberse quedado cobijado en algún estilo único donde podría haber logrado mas reconocimiento. Claro que esto es una contradicción hablando de un tsunami. No hay reglas o protocolos, se deja llevar por la corriente sin importar nada más que no sea su propia fuerza creadora. Para bien o mal.

Veo colorido, veo innovación, veo expresionismo como veo simbolismo. Veo, y siento, un artista holandés que no es rubio o pelirrojo, con mucho que decir. Como veo un artista injustamente olvidado.

http://www.jan-toorop.com/

Annie Hall te Lissadell, Surrey, 1885

Edmond Picard, 1885

Dame en blanche (Annie Hall), 1886

Dubbel portret, Ernst Ahn and Annie Hall, 1886

De dame met de parasol, 1888

De bruid, 1888

Landschap met vaart, 1889

Broek in Waterland, 1889

Les rôdeurs, 1891

Les Calvinistes de Catwijck, 1891

O grave, where is thy Victory (1892)

Lenore, 1892

The Young Generation, 1892

Aurore, 1892

Two Women, 1893

De drie bruiden, 1893

Fatalisme, 1893

Desire and Gratification, 1893

Een boek van verbeelding, 1893

Retorno a sí mismo, 1893

Le Passeur d’eau, 1895

Aggressivity of Sleep, 1898

Watchers on the Thershold of the Sea, 1900

Portrait of Mrs. M. J. de lange, 1900

Het gebed (Miek Janssen), 1901

Duinen en de zee bij Zoutelande, 1907

Lambert Lourijsen, 1911

Jezus wordt van het kruis genomen, 1918

Visioen, 1920

Madonna en kind, 1920

Meditatie, 1921

1927 self portrait

Fotoportret_van_Jan_Toorop

Emil Nolde (1867-1956)

Es complicado definir este pintor alemán, su obra como su vida navegan en aguas turbulentas. Siempre creyó estar menospreciado por sus contemporáneos pero como contradicción a esto su obra fue adquirida por muchos Museos alemanes. Algunas personas  lo tildaban de nazi pero los mismos nazis catalogaban su obra con el sello que deben acarrear todos los expresionistas, con talento, de esa época: “arte degenerado”.

Navegó con los artistas de “Die Brücke”, sólo año y medio duro la travesía. Buscó representar el “alma alemana” con trazos violentos y una paleta llena de colores fuertes, cual opera Wagneriana.

 

Buscó esa contradicción de un hombre ante el pecado y la virtud, pintó obras religiosas que no lograron entrar a las exposiciones de Colonia o Bruselas en 1912, cosas de la critica especializada.

 

En 1913 viaja a Nueva Guinea creando una nueva forma de tratar las acuarelas, nos presenta unas formas planas con personajes distorsionados, llenos de atrevido color.

Algo hay de un artista contemporáneo como James Ensor, como puede haber alguna influencia de Munch, en la obra de Nolde; lo rescatable del artista y su trabajo es ver la capacidad del autor de adaptar esas “nuevas” formas de expresión con una visión propia y original que suma en vez de restar a una propuesta expresionista alemana.

El equivoco de Nolde, como persona, es no haber podido ser capaz de subirse a un tren político social. La definición para el que trata de encumbrarse a estadios de fama y poder sin importar la ética es el arribismo. Quizás Nolde, hombre, puede ser conceptualizado como tal, el artista no.

Nolde, hombre, trato de buscar el beneplácito de las autoridades en el poder de esa tenebrosa época, su obra todo lo contrario, otra contradicción en la historia de este genial artista.

Una original presentación de Nolde, no la típica copiar y pegar información de Internet, nos presenta Poesía Salvaje, no estoy del todo de acuerdo con sus apreciaciones pero vale la pena echarle un vistazo: 

http://www.poesiasalvaje.org/fuego/el-caldero/luminaria/-emil-nolde-entre-el-nazismo-y-la-pintura-degenerada.html

Self-portrait, 1899

Spectators at the Cabaret, 1911

Blonde Girl and Man

Candle Dancers, 1912

Crucifixion, 1912

Legend, Saint Mary of Egypt-Death in the Desert, 1912

Christ among the Children, 1910

Blue Couple (in Profile) in Sidelight

Couple and Redheaded Child

Strange Couple

Atardecer de otoño, 1924

Dance Around the Golden Calf, 1910

Frog-green Couple

Crouching Nude

El entusiasta

Women and a Pierrot, 1917

Blue Sea (Sailboat and Two Steamships)

Child and Large Bird, 1912

Excited People, 1913

Blue-green Sea with Steamer

Brown Mountain on a Lake

Conversation (Green and Violet)

Couple (Reddish-brown)

Friends

In the Dressing Room

Jóvenes caballos negros

Two Dancers (redheard and Blonde)

Landscape (Red-Yellow-Green)

The Great Gardener

Wildly Dancing Children, 1909

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Hokusai es un pintor y grabador japonés del periodo “Edo”, época en la cual Japón entra a un clima  de calma que fomentó el desarrollo artístico.

El “Periodo Edo” es una división de la historia del Japón, que se inicia 150 años antes del nacimiento de Hokusai, finalizando veinte años después de la muerte del artista con la restauración del “Gobierno Imperial” bajo las manos del último “Shōgun” Tokugawa.

El neoconfucianismo fue el motor intelectual del periodo, donde el gobierno conserva su posición autoritaria pero de una manera más tolerante y comprensiva hacia sus súbditos.

Súbditos que disponen de tiempo para dedicarlo al entretenimiento y la cultura dan como resultado la aparición del “Ukiyo-e”, que se traduce como tarjetas o pinturas japonesas del mundo flotante. Su temática es amplia, se pueden ver escenas de paisajes como interiores tanto en un  teatro como en un dormitorio; se pueden ver famosos actores y luchadores de sumo como deliciosas cortesanas. Una temática de vida moderna, variada, caótica y sin censura.

En 1764 el grabador Suzuki Harunobu realiza la primera impresión policromática en Japón, rompiendo el clasicismo de la obra de Hishikawa Moronobu, pintada sólo con tinta india.

 

Las masas pueden adquirir una estampa, por el abaratamiento del costo al ser elaborado de forma masiva, dando a los habitantes de las grandes ciudades como Edo (actual Tokio), Osaka o Kyoto, la posibilidad de comprar arte con la centésima parte de lo que costaría una obra original.

Durante estos años de transición, de un arte para pocos a un arte para todos, nace Hokusai. Pintor que llegaría a ser el referente del estilo Ukiyo-e.

Referente de un estilo tan importante porque es el hombre que logra llevarlo a otro estadio, convirtiendo  estas imágenes “baratas” de flores, paisajes, pájaros y peces en un estilo pictórico reconocido. Para ello utilizó herramientas poco ortodoxas para la época como huevos, botellas e incluso sus propios dedos.

Empezó su carrera imprimiendo invitaciones para el teatro “Kabuki”, quizás este acercamiento temprano al mundo del teatro puede explicar la sensación que nos deja ver estos personajes  en ambientes históricos, que nos da  la  ausencia de perspectiva, como contemplando una escena con un telón de fondo.

 

Katsushika Hokusai tuvo una larga vida, durante la cual cambió su estilo pictórico varias veces, adaptándose al periodo histórico que transcurría. Vivió en la mitad de dos siglos, el XVIII y el XIX, con una mirada dispuesta a valorar la pintura occidental (ajena y distante) lo que lo llevó a tratar la perspectiva conocida por él y sus contemporáneos de otra forma; separando aguas de ese estilo plano para adentrarse a una representación con mas dimensión.

Una vez pintado todo lo que se podía pintar, este prolijo artista que al morir dejó más de treinta mil obras,  torna su interés en la pintura china como medio para ilustrar novelas. Produjo libros de animaciones siendo uno de los más famosos “Hokusai Manga”; uniendo los caracteres “informal” (漫 man) y “dibujo” (画 ga) creó la palabra “Manga” utilizada hasta hoy día para designar las historietas japonesas con ese estilo tan particular.

El valor de un pintor como Hokusai, hoy, lo da ver una obra contemporánea en todo su significado: “Que pertenece al presente”. Su apreciación no cae dentro de falsas modas históricas u oropeles baratos, el artista trasciende con un trabajo creativo, multifacético,  adelantado a su época y entorno.

Para mí, el ver estas imágenes me lleva invariablemente a pensar en ese cine japonés de terror tan actual. Hay una conexión, sin duda, en la esencia y percepción que nos dejan estos seres tenebrosos pintados por Hokusai y los fotografiados por Hideo Nakata, dos siglos después.

 

Por algo artistas como Toulouse-Lautrec se fascinaron con las estampas de este “viejo” artista, presentándolo como un referente a tener en cuenta en ese París de finales del siglo XIX.

“36 Vistas al Monte Fuji” y los tres volúmenes de la obra “100 Vistas del Fuji” son consideradas lo mejor de la pintura paisajista japonesa.

 ”A partir de mis seis años de edad,  tenía la costumbre de dibujar al natural. Me convertí en un artista, y a los cincuenta comencé a producir obras que ganaron cierta reputación; pero nada de lo que hacía antes de la edad de setenta era digno de atención. A los setenta y tres años, comencé a captar las estructuras de pájaros y animales, insectos y peces, y la manera como crecen las plantas. Si lo sigo intentando seguramente lo voy a entender aún mejor a mis ochenta y seis, de manera que al llegar a los noventa habré penetrado la naturaleza esencial de los seres vivos. A los cien podré tener una comprensión divina de ellos, mientras que a los ciento treinta, ciento cuarenta o más, llegaré a un estadio donde cada pincelada y punto que pinto tendrá vida. Que el cielo, que otorga una larga vida, me dé la oportunidad de demostrar que esto no es mentira. “  

Excelente biografía y una gran muestra de su obra en:

 http://www.katsushikahokusai.org/

Averla e rondine con fragole selvatiche e begonie, 1834

Il ponte di barche a Sano, Kozuke, antica veduta, 1834

Selfportrait at the age of eighty three

Busto di Daruma, 1804

Dèi, santi e poeti, 1804

Due attori di kabuki, 1805

Atto undicesimo, 1806

Atto primo, 1806

Beltà stante mentre si allaccia un obi, 1808

Dame con attendente e aquilone, 1809

Carpa, 1810

Ariwara no Narihira, 1810

The Adonis Plant (Fukujusô), 1815

Il toupet gioiello del pube, 1820

The Dream of the Fisherman’s Wife, 1820

Benkei and Chinese princess, 1820

Cortigiana in parata, 1826

El Monte Fuji visto a través de las olas, 1829

Depositi di legname sul Tatekawa a Honjo, 1830

Il fantasma di Oiwa, 1831

Il fantasma di Kohada Koheiji, 1831

Demone della gelosia ghigante, 1831

Il fiume Tone nella provincia di Shimosa, 1833

Bananeto a Chutõ, 1833

Il ponte di Fukui nello Echizen, 1834

Del poeta Fujiwara no Michinobu, 1835

Del poeta Ariwara no Narihira, 1835

Diavolo en abito ecclesiastico, 1840

John Marin (1870-1953)

 

John Marin es un pintor estadounidense que manejó la acuarela de forma extraordinaria, utilizando una paleta con tonos fuertes, vivos y poderosos cambiando la manera de tratar esta siempre tan sutil técnica pictórica.

Fue un pintor adelantado a su época.

 

Su obra esta enmarcada en un formato agresivo y vanguardista, expresado en la división de los espacios en diferentes perspectivas plásticas de triángulos, círculos y cuadrados, que conforman una sinfonía de sorprendentes trazos diagonales y verticales, con un movimiento hacia el infinito dentro de un ritmo armónico.

La belleza de la obra de John Marin es que logra conciliar la naturaleza y el desarrollo de la urbe en una expresión  llena de fuerza y vida, con una paleta húmeda, personal, multicromática e intensa.

 

“Rapidez” fue la palabra usada por el critico de arte Paul Rosenfeld (en su ensayo de 14 pintores norteamericanos, “Port of New York”) para describir la obra de John Marin. El término aduce a la velocidad, por supuesto, pero también a algo que Rosenfeld describe, en esa prosa barroca, como “Arraigado en buena tierra”.

Yo lo describiría como síntesis, resumen abstracto del devenir de una época denunciada por los altos rascacielos, por los puentes imposibles, por los metros circulando sobre los hogares, que culminarían en el desastre total.

Caos expresado por Marin en las olas sobre las playas de Maine, que de alguna manera manifiesta el asombro ante la tecnología y la incertidumbre.

Respirando lo urbano, con sus puentes y calles, identificados en una visión fugaz  anticipadora del futuro próximo.

 

Con John Marin vemos la creación de un estilo nuevo desde su inicio, estilo que el crítico de arte francés Louis Vauxcelles al ver una exposición de Georges Braque en 1908, tildaría peyorativamente como la reducción del arte a “pequeños cubos”; esa frase menospreciativa dio el origen de lo que hoy conocemos como estilo “Cubista”.

Dentro de todos los pintores cubistas nunca se menciona a Marin. Sin embargo, para mí, es uno de los precursores de este estilo.

John Marin nunca fue adepto a encasillarse dentro de ningún estilo, el fotógrafo Alfred Stieglitz lo consideraba como un “individualista sensible inspirado en el arte moderno”.

Los críticos de arte, de la época, señalaban como el artista pintaba con una “visión interna” sus temas. Talvez las palabras del propio artista, “Tengo que conocer un lugar íntimamente antes de pintarlo”,  llevan a estas teorías erradas que ofendieron profundamente a Marin catalogándolas de “basura”.

Para John Marin el “ver” es una “repetición de miradas”, y cada pintura suya la oportunidad de capturar en una sola imagen  “la visión de varios ojos”.

Marin rompe el academismo tratando la acuarela como óleo, utilizando una paleta vigorosa y agresiva, olvidándose de los medios tonos, tan referentes de la acuarela, llega a esos trazos opacos y saturados de color, que serán su sello, se ayuda con el carboncillo para darle mas fuerza a la obra.

 

 

Old Houses, Chartres, 1908

Showers, 1908

Saint Martin’s in the Field, 1908

City Scene, 1909

City Scene 2, 1909

Susent, Maine Coast, 1910

Warehouses and North River, 1910

Spring, Tyrol, 1910

Mrs. Haviland 1911

Brooklyn Bridge, 1912

Abstracción, 1917

The sea, Maine, 1920

Self Portrait 1920

Boat with Sun, Deer Isle, Maine, 1921

Downtown, 1921

Trees, Rocks and Schooner, 1921

Off York Island, 1922

El bajo Manhattan, 1923

Downtown New York No. 5, 1925

Schooner Yachts, Deer Isle, Maine, 1928

Stonington, Maine, 1929

Old Church, at Ranchos, New Mexico, 1930

Region of the Brooklyn Bridge Fantasy, 1932

Self-portrait, 1950

August Macke (1887-1914)

August Macke por varias razones es considerado expresionista, principalmente por vivir en el tiempo que surgió el movimiento, por su amistad con Franz Marc y por participar en el movimiento “Der Blaue Reiter” (El jinete azul).

Todos estos hechos sitúan el hombre dentro de un contexto expresionista, pero hay que ser cuidadosos en catalogar la obra de un artista sólo bajo parámetros geográficos o contemporáneos.

Macke es un artista que no llego a cumplir sus treinta años por lo que, para mi, jugó con varios estilos sin tener el tiempo para consolidarse en ninguno.

 

 

Para entender que significa ser un expresionista alemán, de principios de siglo XX, es necesario ver la obra de Lovis Corinth (1858-1925), Ernst Ludwig Kirhner (1880-1938) y Franz Marc (1880-1916). Tres fantásticos exponentes del expresionismo, con Paletas llenas de colorido, agresivas y de fuertes trazos que buscan estremecer al espectador para que se plantee sus propias dudas que permitan las respuestas salir a la luz.

Franz Marc lo veo mas conciliador, veo un expresionismo mas impresionista o quizás menos alemán. Esto no le quita intensidad o creatividad a su obra, todo lo contrario, vemos un artista con la valentía de ir contracorriente en una época no adecuada para posiciones conciliadoras.

Este es el valor de Macke, ser un hombre capaz de tomar elementos y tendencias vanguardistas para imprimirle un sello personal. Por esta razón podemos hablar de un Macke “Cubista” “Fauvista”, “Futurista” u “Orfista”.

 

 

Sus trabajos con escaparates sitúan la obra de Macke siempre bajo el alero del pintor abstracto Robert Delaunay. Las ventanas del francés son un referente, pero a pesar de la conexión que dan todos los críticos veo en los escaparates de Macke algo personal, sin más conexión que el tema.

 

 

Con las manzanas de Macke podríamos hablar de la influencia de Cézanne, de la misma manera que esos personajes con sombreros nos traen a la memoria un Matisse.

Macke no busca una “nueva realidad” (premisa de Delaunay), veo un tratamiento mas cotidiano y un poco menos conceptual. Una escena de día lluvioso con personas comunes, que detienen su ir y venir abstrayéndose con las fantasías presentadas en esos escaparates mundanos o simplemente continúan su andar bajo el paraguas, nos habla de ese momento sencillo e intimo que vivimos, o compartimos, cada día.

Macke viaja junto a su compatriota Paul Klee a Túnez, donde se maravilla con la luz del país africano y los escenarios del desierto del Sahara. Klee estampa en su Diario estas bellas palabras que explican lo conmovido que quedó él, y su amigo, en el viaje: “El color me posee, no tengo necesidad de perseguirlo, sé que me posee para siempre… el color y yo somos una sola cosa. Soy pintor”.

A dos meses de comenzada la I Guerra Mundial August Macke muere en el frente de batalla, en los campos de la región francesa de Champagne. “La Despedida” es su inacabada obra final; nos presenta una escena en los andenes de una Estación antes de la salida de Tren que llevará las tropas a pelear.

“El pueblo de Alemania, embriagado por las ideas de victoria, no sospecha lo terrible que es la guerra”. August Macke.

 

La obra completa del artista en: http://www.augustmacke.org/

 

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