Théodore Géricault  estudió poco tiempo pintura, su carácter impaciente, inquisitivo, aventurero y desordenado, le impidió sentarse a recibir clases. El prefería ver, más que estudiar. 

 

 

 

Es ese temperamento impulsivo y desenfrenado lo que hace difícil encasillar dentro de un estilo particular su Obra, con poco estudio académico, apenas tres años,  se puede decir que se formo a si mismo, copiando cuadros clásicos en el museo del Louvre y tratando de “ver” todo lo que podía. Con esa impaciencia es natural el uso de una paleta “empastada”, bordeando lo expresionista.

 

 

Sin duda, vemos en estas imágenes un carácter “expresionista”, que es el deseo de darnos “su” visión de las sensaciones que fluyen en su cabeza deformando la “realidad” en pos de brindarnos un acercamiento más intimo a lo que él creía debería ser un mundo sin reglas formales o académicas.

Escapó rumbo a Italia, tras haber dejado embarazada a su Tía, lugar dónde ve la obra de Miguel Ángel y su Capilla Sixtina, y es el lugar dónde conoce la Obra de un pintor con una vida similar a la suya, Caravaggio.

 

 

La similitud se aprecia en unas vidas que bordearon lo novelesco, casi salida de un guión de Cine. Ambos quedaron huérfanos de muy jóvenes; los dos poseían   temperamentos fuertes, sin restricciones morales de ningún tipo, fueron hombres que transmitieron toda esa pasión y energía en su Obra. Los dos mueren jóvenes, empezando apenas sus brillantes carreras. 

 

 

Esta admiración por Caravaggio nos presenta un estilo evidentemente Barroco, con el guiño al Tenebrismo del italiano.

 

 

La pintura Neoclásica se traza con líneas paralelas mientras el sello del Barroco son las diagonales; vemos en la mayoría de la Obra de Géricault el uso de estas diagonales.

 

 

En “Desnudo de un guerrero con lanza”, 1816, la pierna derecha del modelo, su lanza y el hombro izquierdo forman tres diagonales paralelas, mientras el cuerpo es dividido en pequeños triángulos, como los producidos desde la inclinación del brazo derecho hasta el muslo izquierdo, lo que nos da un ejemplo claro de este modo “Barroco” de enfrentar la tela.

El “Romanticismo” lo da el cuerpo viril, fuerte y enérgico, que se contrarresta con un fondo limpio y austero, creando una melancolía que puede ser la metáfora de una Francia napoleónica triste y vencida; acordémonos que Napoleón es derrotado por el Duque de Wellington en la batalla de Waterloo, en junio de 1815, siendo desterrado a la isla de Santa Helena en octubre del mismo año, donde muere envenenado tras seis años de reclusión.

Su pasión fueron los caballos, los representó de varias formas y en varios contextos, en Francia, Inglaterra o Italia, corriendo con sus cuatro patas alzadas, algo que sólo se supo a finales del siglo XIX con la invención de la fotografía, antes se creía que los caballos “siempre” tenían alguna pata en el suelo,  él supo antes que no era cierto. 

 

 

 

“Un cazador de la guardia imperial a caballo”, 1814, es una de mis obras preferidas desde niño. Es un claro ejemplo de la transición del Barroco y el neoclasicismo al Romanticismo; un colorido flamenco y veneciano nos lleva a participar en la acción del “caballero”, nos crea un sentimiento épico de batallas ganadas o perdidas. No representa la acción de una manera neoclásica como los cuadros de “David”, es más “real”, con pinceladas sueltas que reflejan la tensión del momento, haciéndonos participar en esa batalla olvidada, con un colorido monocromático.

 

 

Toda la fuerza de la mirada del caballo hacia la derecha es compensada por la actitud del jinete hacia la izquierda, equilibrio bellamente realizado; el uniforme del soldado nos recuerda que antes las guerras las hacían los “Caballeros”, no los “Señores de la Guerra”. 

“La balsa de la Medusa” es “la Obra” de Géricault, muchos han visto el cuadro sin siquiera conocer el nombre del artista, menos su vida o las causas del accidente. La historia del cuadro narra el naufragio de la fragata “Medusa” en 1816, por una negligencia de su capitán vinculado a ese Gobierno, lleno de intrigas, de Luis XVIII (es bueno recordar como llegó al poder bajo la mano de Joseph Fouché), el cual dejó 150 personas en medio de la costa africana occidental a su entera suerte. Después de dos semanas la balsa fue encontrada con sólo 15 supervivientes, 5 de los cuales murieron al poco tiempo del rescate, es decir sobrevivió sólo el siete por ciento de los náufragos en esa Balsa. Al año de sucedido el hecho, quedó de público manifiesto el grado de corrupción y negligencia de las autoridades monárquicas que trataron de esconder el caso con triquiñuelas desinformativas pueriles, para excusar lo lento del rescate y lo mal que actuó su capitán. Hoy podemos recordar casos similares, pero no es lo nuestro. 

 

Para una mayor exactitud y realismo Géricault utilizó el gran formato, la obra mide 5 x 7 metros, estudió una replica a escala así como hizo posar modelos dentro de ella para una mejor, y fiel, representación de los hechos de la tragedia, Eugène Delacroix fue uno de los modelos. Géricault rompe con todos los canones de academismo y neoclasicismo que debían ser los parámetros para representar historias dentro un cuadro. Sólo en la composición del tema podemos ver un tratamiento “formal” de la tragedia, utilizando la diagonal que nos muestra parte de los náufragos extendiéndose progresivamente hacia la derecha para aumentar las reacciones con el movimiento de las camisas. A su vez los cadáveres y las velas forman una diagonal secundaria, para crear el énfasis desolador del rescate. Todo este tratamiento del tema llevó a crear una gran influencia en “románticos” posteriores, esta mezcla entre romanticismo y realismo es lo que nos deja el sabor a impresionismo y expresionismo, que nos refleja una obra contemporánea creada hace casi dos siglos atrás. 

 

 

“El Beso” de 1822, es otro ejemplo de la anticipación de Géricault a un “nuevo” tratamiento de los temas en ese siglo XIX, un beso representado de una forma impúdica, en ese entonces, con un estilo “Manierista” sin cuestionamiento. Lo complicado de la pose de la mujer nos demuestra las ganas de Géricault de provocar mostrando una parte más que la otra, por la posición de los amantes habría sido más natural ver la nalga izquierda de la mujer, en vez de su vulva. Estas ganas de utilizar viejos estilos, el Manierismo ya estaba pasado de moda en esa época, nos refleja la visión particular de un hombre atrevido, sin miedo al ridículo, con mucho que decir y pintar si el destino lo hubiera permitido.

 

En el final de sus días Géricault se adentra en el mundo de la locura marginal. Retrata hombres y mujeres rechazados socialmente, cleptómanos, ladrones, secuestradores, jugadores, etc., son los sujetos de su nuevo interés. Son la representación de unos seres cotidianos con un bagaje psicópata y turbio, seres que son el reflejo de una sociedad escondida en esos inicios del siglo XIX, que nos llevan a una realidad no querida o buscada, nos presentan lo que no queremos ver o lo que no queremos recordar, un mundo negro dentro de lo puro de nuestras vidas, una visión con ojos de Francis Bacon, en definitiva. 

 

“Los obstáculos y las dificultades que evitan los hombres mediocres, son una necesidad y alimento para el genio. Esto lo madura y lo eleva; transitar por un camino más fácil lo  mantendría congelado”.

Théodore Géricault  

 

 

Varias obras en artcyclopedia:

http://www.artcyclopedia.com/artists/gericault_theodore.html