Posts Tagged ‘Pintores Holandeses

14
mar
11

Jan Toorop (1858 – 1928)

Este autorretrato pintado al final de su vida, postrado en silla de ruedas, nos ayuda a entender las ideas de un hombre, holandés nacido en Java, que terminó convirtiéndose al catolicismo. Java es una isla, hoy con mas de cien millones de habitantes, que se incrusta dentro de la República de Indonesia. Indonesia es un país con mas de doscientos millones de habitantes, siendo el país con mas musulmanes del mundo. En este lugar geográfico, entre el sureste asiático y Oceanía, nace este artista cuando Java era una colonia holandesa, desde todo el siglo XIX hasta la mitad del XX.

Las tres novias, pintada en 1893, nos da un claro ejemplo de la particular visión del artista. Como también da un ejemplo de ese bagaje cultural de un hombre creado de la unión de un ciudadano holandés nacido en Java (que nunca conocio Los Paises Bajos), y de una china javanesa, de padre inglés, que a su vez jamás fue a Gran Bretaña. Varias culturas, varias religiones, varias etnias dan como resultado un artista que supo amoldarse a diferentes estilos pictóricos, por no decir casi todos los que tenia a mano, en esa época suya.

 

Deseo y satisfacción, 1893, es un cuadro que el Musée d´Orsay lo da como un ejemplo de simbolismo,www.musee-orsay.fr/es/colecciones/obras-comentadas. Me atrevo a decir que es un ejemplo de art nouveau, sin que nadie se ofenda; espero.

Se habla a su vez de la Influencia de James Ensor en la obra de Toorop,  algo también discutible. Al unirse al grupo “Les XX” , grupo de 20 pintores belgas que invitaban a otros 20 pintores “foráneos” puede darse esa “unión”, pero habría que hablar de las influencias también de Monet, Pisarro y Cézanne en su estilo. A su vez, si lubricamos, podríamos hablar del influjo del mismo Singer Sargent en la obra de Toorop. Creo que no tiene mayor importancia en su conjunto.
      
Broek in Waterland (1889)
Podríamos hablar del neoimpresionismo y puntillismo de Seurat como  referente también.

Me pregunto por qué tanta preocupación en sacar a colación los “referentes” en este artista del que tan poco se habla. Pregunto a cien personas: “Nombre cinco pintores holandesés”, cuantos incluyen a Toorop en la respuesta? Creo que pocos.

Si pregunto por un pintor nacido en Java, alguien nombra a Toorop? Temo que menos respuestas habría.

La razón del olvido?

Jugar con muchos estilos?
 
Politicamente incorrecto?
Pasado de moda, en su tiempo espacio?
 
Poco colorido en su obra?
Demasiados referentes, otra vez?
Demasiado religioso?
Demasiado Toorop?
Demasiada Annie Hall? (No confundir con la película de Woody Allen, por favor)
Demasiada introspección?

Nada de las anteriores y todas, son la respuesta a estas pequeñas interrogantes planteadas.

Veo “modernidad” en la obra, y vida, de un hombre con ancestros indígenas. Como “inusual” debe haber sido visto un artista, en esa Europa del siglo XIX, con un apellido holandés y una mochila tan “étnica”. Pasada la novedad de este hombre del siglo XIX, siglo de revoluciones y cambios económicos sociales, pasa a ser “inconveniente” la obra de un hombre que desaparece a una década de finalizada la primera guerra mundial y una década antes de iniciar la segunda. Tan “inconveniente” como hablar hoy de xenofobia o racismo.

Toorop es “Titanesco” en su concepción, forma y estilo. Me explico… Titanesco por la grandiosidad de su obra como grande fue el barco. Titanesco por la gran variedad de estilos que empleó. Titanesco porque se hundió igual que el famoso barco, al final de la historia.

Hombre que vivió su tiempo igual que un “Tsunami”. Hombre que se sumergió en todas las corrientes de su época.

 

Visto desde la superficie vemos una tranquilidad quizás demasiado simplona, pero (igual que el tsunami) con una fuerza interior poderosa y arrasante. Tan fuerte, o creadora, desde adentro que sorprende esa fuerza no esperada. No podemos creer, o entender, que algo tan tranquilo, aparentemente, sea capaz de arrasar con tantas formas como conceptos podrá tener delante de si.

 

Toorop no tiene el colorido de un Van Gogh como careció de un estilo definido, para valorarlo hay que entender su “momento histórico”. Lo rescatable  es que captó esas “corrientes”, creadas en ese propio instante de hace un siglo, para subirse al barco, o todos los barcos, que zarpaban dejando a los mediocres viendo la partida desde un puerto cualquiera, esos del establishment artístico. 

Artista que tendría que haber entrado en terrenos pictóricos clasicistas mas de acuerdo con su tiempo o haberse quedado cobijado en algún estilo único donde podría haber logrado mas reconocimiento. Claro que esto es una contradicción hablando de un tsunami. No hay reglas o protocolos, se deja llevar por la corriente sin importar nada más que no sea su propia fuerza creadora. Para bien o mal.

Veo colorido, veo innovación, veo expresionismo como veo simbolismo. Veo, y siento, un artista holandés que no es rubio o pelirrojo, con mucho que decir. Como veo un artista injustamente olvidado.
11
abr
08

Jan Hendrik Weissenbruch (1824-1903)

 

Jan Hendrik Weissenbruch fue uno de los mejores representantes de la “Escuela de la Haya”. Como hombre de los paises bajos pintaba los paisajes con esa paleta tan característica de los artistas en el Mar del Norte: cielos nublados, pantanos que dan la sensación de una lluvia próxima, dunas con paisajes coloridos o la ciudad de La Haya con realismo exquisito demuestran la gran técnica de este pintor nacido ahí.

Es curioso el giro que dio su nombre, pasó de llamarse Hendrik Johannes a Jan Hendrik, y por esto se tiende a confundir su obra con la de su primo homónimo Jan Hendrik Weissenbruch (1822-1880), sólo la fecha de nacimiento los distingue a simple vista.

El reconocimiento le llegó tarde, casi a los sesenta años el mundo del arte comenzó a valorar su obra. Weissenbruch era catalogado como un pintor del romanticismo holandés, no dándole mayor crédito a su innovadora forma de ver y pintar sus escenarios, pero ese estilo de pincel “suelto” y tenues colores terminaron cautivando.

La Haya se sitúa en una llanura costera cerca del “Mar del Norte” en el centro de Holanda. Es la ciudad de los palacios y las grandes avenidas, es la ciudad de los Ministerios y Embajadas. Es la sede de Gobierno de los Países Bajos. La diferencia con Ámsterdam y Rótterdam es que mantenía un carácter semi rural; sus Dunas, playas y Bosques eran la fuente de inspiración para los artistas en 1870.

Ese grupo de artistas, que trabajan en La Haya, fueron vistos como los representantes del renacimiento del siglo de oro holandés (siglo XVII). La pintura holandesa no tenía personalidad propia desde Rembrandt, Nicolaes Maes y Johannes Vermeer. Transitaba en una serie de pintores muy influenciados por sus antecesores, siguiendo las mismas técnicas y motivos.

El critico de arte J. Van Santen Kolff nombra estos artistas, en 1875, “Escuela de La Haya”; como un merito a la “Nueva forma de ver y representar las cosas”, una visión post romántica centrada en la manera francesa de pintar, al aire libre. La Escuela tiene cuatro generaciones de pintores, siendo la primera la más talentosa. De estos primeros, los mejores son: Johannes Bosboom, Josef Israels, Willem Roelofs y Jan Hendrik Weissenbruch.

Entre 1870 y 1885 los artistas utilizan colores tristes, gamas entre ocres y grises, por esta razón la “Escuela” es también conocida como la “Escuela Gris”.

the-hay-bridge-1850

Desde la década de los ochenta comienzan a utilizar, gradualmente, más colorido en sus paletas. Weissenbruch ve como el grupo comienza a disolverse por la llegada de jóvenes más cercanos al Impresionismo que terminan formando el “Grupo de los ochenta”.

Después de la primera guerra mundial termina el momento de la “Escuela”, pasan al olvido todos sus representantes, ni siquiera en Holanda los recuerdan, quedaron a mitad de camino entre el realismo y el nuevo impresionismo que sería el estilo de moda. La evocación del Grupo es sólo referencial, como una antesala para estudiar los inicios de Van Gogh y Piet Mondrian. Solo a finales del siglo veinte logran nuevamente un reconocimiento, con exhibiciones en Paris y Londres.

Weissenbruch fue el mas versátil del grupo; mientras los otros se especializaban en un solo tema, como Israels con la realidad de las comunidades pesqueras, Bosboom con los interiores de Iglesias y Roelofs con paisajes boscosos, él pinta todo lo que ve.

Con gran realismo y extraordinaria técnica, el colorido de sus pinturas es una muestra de la habilidad del holandés para situarnos dentro del cuadro, este genial pintor merece desempolvarse del baúl de los recuerdos.

 

14
dic
07

Johannes Vermeer (1632-1675)

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Jan Vermeer es el pintor de los interiores, se especializa en darnos una visión de la vida mundana en una holanda del siglo XVII, en pleno barroco. Su producción fue muy escasa, 34 escenas de interior o retratos y 2 paisajes. Esto, junto a haberse mantenido viviendo siempre en el mismo pueblo, lo dejo fuera de carrera para el éxito y la fama en vida.  

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Empezó su carrera pintando escenas religiosas en gran formato para, tras un corto tiempo, tomar el camino que le conocemos.

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Hay algo misterioso en todos sus personajes, esa melancolía, tragedia y tranquilidad que nos invade produce una sensación de estar viviendo el momento junto a los personajes en una vida pasada.  

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Poseedor de una gran técnica y una gran cultura, lo llevó a ser el experto en cuadros de Federico Guillermo I, Gran Elector de Brandeburgo. En 1842, dos siglos después de muerto, el critico Joseph Théophile Thoré lo rescata del olvido y lo presenta en sociedad.

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Holanda tiene, junto a Rembrandt, un excelente representante de esa “Era Dorada”. Su tratamiento de la Luz es casi fotográfico, con una armonía poética y serena.

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Con los acreedores pisándole los talones y cansado de la vida un atormentado Jan descansa en paz el 15 de diciembre de 1675, a la edad de 43 años. Su mujer, con 11 hijos a cuestas, Catharina Bolnes tiene que renunciar a su herencia a favor de los acreedores, se queda con dos cuadros de su marido, vendiendo al año siguiente uno que para mi es lo mas bello de la época de oro holandesa, la Alegoría de la Pintura.

Me gusta mostrar más que hablar, esa es la premisa de este Blog, sin embargo es imprescindible acotar un par de cosas. La alegoría, en el arte, es dar una forma humana, o de objeto, a una idea abstracta. Para entender los cuadros hay que situarlos en el espacio que corresponde. Vermeer lo crea en el año 1666.  

 

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Son varias los conceptos que podemos observar, el primero la Fe católica del artista, una extravagancia en una Holanda protestante. Fe representada por un par de águilas, símbolo de los Habsburgos, adornando un candelabro dorado sin velas, en la parte superior del cuadro. La ausencia de velas representa la supresión de la Fe católica, en su tierra. El mapa representa las 17 provincias de los países bajos antes del tratado de Westfalia, alrededor del mapa hay 20 imágenes de ciudades en las que no esta Delft, curioso si pensamos que Vermeer nació, vivió toda su vida y murió ahí. El artista se representa vestido con ropas elegantes y costosas, con esto trata de darle mayor rango a su profesión, el estar en un estudio con piso de mármol también es símbolo de status, status imaginario ya que su estudio era modesto. La luz penetrando desde una ventana lateral es típico de su obra como lo es la composición en perspectiva  octagonal de la escena, recordando los artistas del Quatrocentto con la bicromía de las baldosas. En definitiva la escena representa un artista en toda su majestuosidad con intereses geopolíticos, además de religiosos. Erudito en un tiempo de analfabetos. Acaudalado en tiempos de pobreza. Con una profesión de éxito en época de desempleo. 

Navegando por Internet se encuentran planteamientos como este:

“Un homenaje del pintor hacia los gobernadores de la casa de Orange, en un momento delicado debido a su enfrentamiento con Francia durante la guerra franco-holandesa de 1672-78. Esta hipótesis vendría refrendada por la presencia de la lámpara con el águila doble de los Habsburgo, lo que indicaría que la obra estaría pintada para conmemorar la alianza firmada entre las Provincias Unidas, el Imperio Alemán, España y Lorena contra la Francia de Luis XIV que se produjo el 30 de agosto de 1673”.

Todo bien planteado, un comentario técnico: el cuadro fue pintado en 1666.

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En 2003 se lleva al cine una historia del pintor con un supuesto romance con su modelo, “La muchacha de la Perla”, del director Peter Webber; como película no vale mucho si es importante en dar a conocer mucho más este holandés genial y su obra.  

20
nov
07

El Bosco (1450-1516)

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El Surrealismo y los Surrealistas, como término,  nacen de la mano de Guillaume Apollinaire, quien los acuñó en el programa de mano que escribió para el musical Parade  en mayo de 1917.
El Surrealismo, como movimiento, nació en Francia en el año 1925. Su fundador es André Breton. En el surrealismo y la pintura, de 1928, Breton expone la psicología surrealista: el inconsciente es la región del intelecto donde el ser humano no objetiva la realidad sino que forma un todo con ella. El arte, en esa esfera, no es representación sino comunicación vital directa del individuo con el todo. Esa conexión se expresa de forma privilegiada en las casualidades significativas (azar objetivo), en las que el deseo del individuo y el devenir ajeno a él convergen imprevisiblemente, y en el sueño, donde los elementos más dispares se revelan unidos por relaciones secretas.
En la Pintura conocemos de sobra los más fieles representantes del género, liderados por el catalán Salvador Dalí.

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Sin embargo el precursor de todo esto, para mí, es un hombre totalmente olvidado por los historiadores y críticos de arte en el concepto y gestación del Surrealismo. Basta ver esta obra para darse cuenta que Breton simplemente intelectualizó a través de palabras la pintura de El Bosco.
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El Juicio final es un retablo que en su interior presenta tres imágenes. La del medio es el Juicio Final. En el extremo izquierdo esta el Paraíso y en el extremo derecho se representa el Infierno. 
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Al cerrarse, el retablo, muestra a Santiago de Compostela y San Bavón, fue pintado en el año 1504, es decir cuatro siglos antes de Breton. Al ver esta imagen en la portada del retablo no se puede pensar lo que ocurre en su interior.
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Los sueños de El Bosco, de un paraíso y un infierno, son la representación más real que puede haber tenido una persona de ese concepto eclesiástico de pecado del siglo XVI.
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Jeroen Anthoniszoon van Aken, llamado Hieronymus Bosch, fue un pintor flamenco conocido en castellano como El Bosco.

Nada se sabe de sus inicios como artista, puede suponerse que aprendió en el taller familiar (dedicado a la pintura al fresco) a dorar esculturas de madera y a la producción de objetos sagrados, trabajando especialmente para la catedral de la ciudad.

La piedra de la locura

El Bosco se destaca por representar a personajes santos como sujetos comunes y vulnerables. Prácticamente todos los personajes que representa tienen algo de caricatura, seres que demuestran sus pasiones y bajos instintos sin tapujos morales o caracterizaciones hipócritas.

Cristo con la Cruz a cuestas

Protagonista de sus cuadros es la humanidad, que incurre en el pecado y es condenada al Infierno; la única vía que parece sugerir el artista para redimirse se encuentra en la meditación como medio para expiar los demonios interiores.

El carro de heno, 1500-02

El Bosco no fechó ninguno de sus cuadros y sólo firmó algunos.

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Las formas sexualmente explícitas y los misteriosos símbolos de este cuadro, pintado en 1503, aluden a una interpretación del pecado y la virtud, algunos creen ver en esto signos de adamismo, catarismo, alquimia o brujería.
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Yo sólo veo signos de Surrealismo.

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